Rezitativ -Recitative

Diese Partitur zu Händels Lascia ch'io pianga zeigt die einfache Begleitung für ein Rezitativ; Meistens spielt der Basso continuo (die untere Notenzeile im Bassschlüssel) halbe und ganze Noten unter dem rezitativen Part des Sängers.
Ein Rezitativ aus JS Bachs Kantate 140 „ Wachet auf, ruft uns die Stimme“ .

Rezitativ ( / ˌ r ɛ s ɪ t ə ˈ t v / , auch bekannt unter seinem italienischen Namen „ recitativo “ ([retʃitaˈtiːvo] )) ist ein Vortragsstil (viel verwendet in Opern , Oratorien und Kantaten ), bei dem es einem Sänger erlaubt ist, die Rhythmen und den Vortrag gewöhnlicher Rede zu übernehmen. Das Rezitativ wiederholt keine Zeilen, wie dies bei formal komponierten Liedern der Fall ist. Es ähnelt eher einer gesungenen gewöhnlichen Sprache als einer formellen Musikkomposition.

Das Rezitativ kann auf einem Kontinuum von eher sprachlich bis musikalisch gesungen, mit nachhaltigeren melodischen Linien, unterschieden werden. Das meist syllabische Rezitativ Secco („trocken“, nur von Continuo begleitet , typischerweise Cello und Cembalo) steht an einem Ende des Spektrums, über Rezitativ Accompagnato (mit Orchester), das melismatischere Arioso und schließlich die ausgewachsene Arie oder das Ensemble , wo der Puls ganz von der Musik bestimmt wird. Secco-Rezitative können für den Sänger improvisatorischer und freier sein, da die Begleitung so spärlich ist; Im Gegensatz dazu muss der Sänger strukturierter auftreten, wenn das Rezitativ von einem Orchester begleitet wird.

Der Begriff Rezitativ (oder gelegentlich liturgisches Rezitativ) wird auch auf die einfacheren Formeln des gregorianischen Gesangs angewendet , wie z. B. die Töne, die für die Epistel , das Evangelium , das Vorwort und die Sammlungen verwendet werden ; siehe Akzent .

Ursprünge

Der ersten Verwendung des Rezitativs in der Oper gingen die Monodien der Florentiner Camerata voraus, in denen Vincenzo Galilei , Vater des Astronomen Galileo Galilei , eine wichtige Rolle spielte. Der ältere Galilei, beeinflusst von seiner Korrespondenz mit Girolamo Mei über die Schriften der alten Griechen und mit Erycius Puteanus über die Schriften von Hucbald und dem Wunsch, die alte Art des Geschichtenerzählens und Dramas neu zu erschaffen, leistete Pionierarbeit bei der Verwendung einer einzigen melodischen Linie, um die zu erzählen Geschichte, begleitet von einfachen Akkorden auf einem Cembalo oder einer Laute.

In der Barockzeit wurden Rezitative üblicherweise vom Regisseur selbst einstudiert, wobei die Sänger häufig ihre eigenen Lieblings - Gepäckarien beisteuerten , die möglicherweise von einem anderen Komponisten stammten (einige von Mozarts sogenannten Konzertarien fallen in diese Kategorie). Diese Arbeitsteilung hielt bis ins 19. Jahrhundert an: Rossinis La Cenerentola (1817, Rezitative von Luca Agolini) ist ein berühmtes Beispiel . Später blieb es Brauch, ursprünglich gesprochene Dialoge durch neue Rezitative zu ersetzen: Carl Maria von Webers Der Freischütz (1821, adaptiert 1841 mit Rezitativen von Hector Berlioz für die Pariser Oper), Georges Bizets Carmen (1875, Rezitative von Ernest Guiraud für die posthume Aufführung in Wien im selben Jahr), Charles Gounods Mireille und La colombe (inszeniert von Sergei Diaghilev mit Rezitativen von Eric Satie bzw. Francis Poulenc ).

Secco

Secco -Rezitative, die in Florenz durch die Proto-Opern-Musikdramen von Jacopo Peri und Giulio Caccini im späten 16. Jahrhundert populär wurden, bildeten im 17. Jahrhundert die Substanz von Claudio Monteverdis Opern und wurden bis in die Romantik des 19. Jahrhunderts hinein verwendet von Komponisten wie Gaetano Donizetti , die in Strawinskys The Rake 's Progress wieder auftauchen . Sie beeinflussten auch Bereiche der Musik außerhalb der Oper.

In den frühen Opern und Kantaten der Florentiner Schule wurden Secco - Rezitative von einer Vielzahl von Instrumenten begleitet, meist gezupften Bundsaiten, einschließlich der Chitarrone , oft mit einer Pfeifenorgel , um einen anhaltenden Ton zu erzeugen. Später, in den Opern von Vivaldi und Händel , wurde die Begleitung als Cembalo und Bassgambe oder Violoncello standardisiert . Als das Cembalo im späten 18. Jahrhundert schrittweise abgeschafft wurde und im frühen 19. Jahrhundert größtenteils verschwand, ersetzten viele Opernhäuser es nicht durch das Fortepiano , eine 1700 erfundene Klaviatur mit gehämmerten Saiten.

Stattdessen musste das Violoncello allein oder mit Verstärkung durch einen Kontrabass weitermachen . Eine Aufnahme von Rossinis Barbier von Sevilla aus dem Jahr 1919 , die von der italienischen HMV herausgegeben wurde , gibt einen einzigartigen Einblick in diese Technik in Aktion, ebenso wie Cello - Methoden dieser Zeit und einige Partituren von Meyerbeer . Es gibt Beispiele für die Wiederbelebung des Cembalo für diesen Zweck bereits in den 1890er Jahren (z. B. durch Hans Richter für eine Produktion von Mozarts Don Giovanni am Londoner Royal Opera House , das Instrument wurde von Arnold Dolmetsch geliefert ), aber es war so erst in den 1950er Jahren wurde die Methode des 18. Jahrhunderts wieder konsequent eingehalten. In den 2010er Jahren hat die Wiederbelebungsbewegung der Alten Musik zur Wiedereinführung des Cembalo in einigen Barockaufführungen geführt .

Accompagnato (oder obligat )

Das begleitete Rezitativ, bekannt als Accompagnato oder Stromentato , verwendet das Orchester als begleitenden Körper. Der Komponist schreibt ein Arrangement für die Orchestermusiker. Infolgedessen ist es weniger improvisatorisch und deklamatorisch als recitativo secco und mehr liedhaft . Diese Form wird oft verwendet, wenn das Orchester einen besonders dramatischen Text untermalen kann, wie in „ So spricht der Herr “ aus Händels Messias ; Auch Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart mochten es. Eine mehr nach innen gerichtete Steigerung verlangt nach einem Arioso ; der Anfang von „ Tröstet euch “ aus demselben Werk ist ein berühmtes Beispiel, während das Ende davon („Die Stimme dessen, der in der Wildnis schreit“) Secco ist .

Manchmal wird zwischen dem dramatischeren, expressiveren oder eingreifenderen „Orchesterrezitativ“ ( recitativo obbligato oder stromentato ) und einem passiveren und ausdauernderen „begleiteten Rezitativ“ ( recitativo accompagnato ) unterschieden.

Post-Wagner-Verwendungen

Spätere Opern, unter dem Einfluss von Richard Wagner , bevorzugten die Durchkomposition , bei der Rezitative, Arien, Chöre und andere Elemente nahtlos zu einem Ganzen verwoben wurden. Viele von Wagners Opern verwenden Abschnitte, die dem begleiteten Rezitativ entsprechen.

Auch in Musicals wird das Rezitativ gelegentlich verwendet , zum Beispiel im Finale von Kurt Weills Dreigroschenoper . Es erscheint auch in Carousel und Of Thee I Sing .

George Gershwin verwendete es in seiner Oper Porgy and Bess , obwohl das Rezitativ in diesem Werk manchmal in einen gesprochenen Dialog geändert wird. Porgy and Bess wurde auch als Musical und nicht als Oper inszeniert.

Instrumentales Rezitativ

Rezitativ wurde manchmal auch verwendet, um sich auf Teile von rein instrumentalen Werken zu beziehen, die in Bezug auf ihren Musikstil Vokalrezitativen ähneln. In einem Instrumentalrezitativ erhält ein Instrument (oder eine Gruppe von Instrumenten) die Melodielinie (ähnlich der Rolle des Sängers) und ein anderes Instrument (oder eine Gruppe von Instrumenten) die Begleitrolle. Eines der frühesten Beispiele findet sich im langsamen Satz von Vivaldis Violinkonzert in D, RV 208 , der mit „Rezitativ“ bezeichnet ist. CPE Bach hat Instrumentalrezitativ in seine „preußischen“ Klaviersonaten von 1742 aufgenommen, die am Hof ​​Friedrichs des Großen in Berlin komponiert wurden. 1761 trat Joseph Haydn seinen Posten auf Schloss Esterhazy an und komponierte bald darauf seine Sinfonie Nr. 7 („Le Midi“) im konzertanten Stil (also mit Solisten). Im zweiten Satz dieses Werks ist der Geiger der Solist in einem Instrumentalrezitativ.

Ludwig van Beethoven verwendete das Instrumentalrezitativ in mindestens drei Werken, darunter die Klaviersonate Nr. 17 ( Der Sturm ), die Klaviersonate Nr. 31 und im Eröffnungsabschnitt des Finales seiner Neunten Symphonie . Hier notierte Beethoven auf der Partitur (auf Französisch) "In der Art eines Rezitativs, aber im Tempo ." Leon Plantinga argumentiert, dass der zweite Satz von Beethovens viertem Klavierkonzert ebenfalls ein instrumentales Rezitativ ist, obwohl Owen Jander ihn als Dialog interpretiert.

Andere Komponisten der romantischen Musikzeit , die Instrumentalrezitativ verwenden, sind Nikolai Rimsky-Korsakov (der ein lyrisches, virtuoses Rezitativ für Solovioline mit Harfenbegleitung komponierte , um die Titelfigur in seiner Orchester - Scheherazade darzustellen ) und Hector Berlioz (dessen Chorsymphonie Roméo et Juliette eine Posaunenrezitativ als Teil seiner Einleitung).

Arnold Schönberg hat das letzte seiner Fünf Stücke für Orchester , Op. 16, als „ Das obligate Rezitativ “, und komponierte auch ein Stück für Orgel , Variations on a Recitativ , Op. 40. Weitere Beispiele für instrumentale Rezitative in der Musik des 20. Jahrhunderts sind der dritte Satz von Douglas Moores Quintett für Klarinette und Streicher (1946), der erste von Richard Rodney Bennetts Fünf Impromptus für Gitarre (1968), der Eröffnungsabschnitt des letzter Satz von Benjamin Brittens Streichquartett Nr. 3 ( 1975) und der zweite von William Bolcoms 12 New Etudes for Piano (1977–86) .

Die Tropen des Rezitativs

Es gibt bestimmte Konventionen oder Tropen, die das Rezitativ standardisieren; so dass das Rezitativ in der Praxis eine starre musikalische Form ist. Die folgenden sind Standardtropen des Rezitativs:

  • Rezitativ ist ein Dialog zwischen einer (normalerweise) Solostimme und einem oder mehreren Instrumenten. Normalerweise wechseln sich Stimme und Instrument(e) ab oder teilen sich einen Akkord, während einer fortfährt. Auf diese Weise muss der sprachähnliche Rhythmus des Sängers nicht mit dem/den Instrument(en) koordiniert und synchronisiert werden.
  • Rezitative Kadenzen: Der Dialog endet mit den Instrumenten. Ausnahmslos vervollständigen das/die Instrument(e) die abschließende Dominant-Tonika-Kadenz. Außerdem stoppt die Stimme normalerweise auf oder vor dem dominanten Akkord, und dann führen das/die Instrument(e) eine Rückkehr zum Tonikum aus. Gelegentlich wird stattdessen die subdominant-tonische ( plagale ) Kadenz verwendet.
  • Rezitative Akkordfolgen: Die Akkordfolgen im Rezitativ vermeiden Auflösungen und verlassen sich stark auf dominante Septimen und verminderte Akkorde, um die Auflösung hinauszuzögern. Im Extremfall beginnen das/die Instrument(e) den Dialog mit einem verminderten Akkord, bewegen sich von Nicht-Auflösung zu Nicht-Auflösung und bauen sich wie oben beschrieben zu einer temporären oder abschließenden Kadenz auf.
  • Tropenverletzungen: Der Übergang zwischen Rezitativ und Arie und subtile Verletzungen der oben genannten „Tropen“ machen einige Rezitative kreativer als andere. Zum Beispiel Bachs Verwendung einer plagalen Kadenz; manchmal wird mehr als eine Stimme verwendet [ Haydn's Creation, 31 ]; und manchmal ersetzt eine täuschende Kadenz die Dominant-Tonika-Kadenz, um einen neuen Abschnitt anzuhängen.

Siehe auch

Verweise

Anmerkungen
Zitate
Literaturverzeichnis
  • Gossett, Philip (2006), Divas and Scholars: Performing Italian Opera , Chicago: University of Chicago Press. ISBN  9780226304885
  • Hope, Robert C. (1894), Mittelalterliche Musik: Eine historische Skizze , Elliott Stock, 1894; Pranava Books, 2013. ISBN  978-1-40868-650-8
  • Jander, Owen (1985), "Beethovens 'Orpheus in Hades': Das Andante con moto des vierten Klavierkonzerts", in 19th-Century Music Vol. 8, Nr. 3 (Frühjahr 1985)
  • Plantinga, Leon (1999), Beethovens Konzerte: Geschichte, Stil, Aufführung , New York: WW Norton & Company, Inc. ISBN  0-393-04691-5

Externe Links