Dokumentarfilm -Documentary film

Eine 16-mm - Bolex „H16“-Spiegelreflexkamera mit Federaufzug – eine beliebte Einsteigerkamera für Filmschulen

Ein Dokumentarfilm oder Dokumentarfilm ist ein nicht-fiktiver Film, der dazu bestimmt ist, „die Realität zu dokumentieren, hauptsächlich zu Unterrichts-, Bildungszwecken oder zur Aufrechterhaltung historischer Aufzeichnungen “. Bill Nichols hat den Dokumentarfilm als " eine filmische Praxis, eine filmische Tradition und eine Art der Rezeption des Publikums [die] eine Praxis ohne klare Grenzen bleibt" charakterisiert.

Frühe Dokumentarfilme, ursprünglich „ Aktualitätsfilme “ genannt, dauerten eine Minute oder weniger. Im Laufe der Zeit wurden Dokumentarfilme immer länger und umfassten mehr Kategorien. Einige Beispiele sind Bildungs- , Beobachtungs- und Dokufiktion . Dokumentarfilme sind sehr informativ und werden in Schulen oft als Hilfsmittel zur Vermittlung verschiedener Prinzipien verwendet . Dokumentarfilmer haben die Verantwortung, ihrer Vision der Welt treu zu bleiben, ohne ein Thema absichtlich falsch darzustellen.

Social-Media-Plattformen (wie YouTube ) haben einen Weg für das Wachstum des Dokumentarfilmgenres geschaffen . Diese Plattformen haben das Verbreitungsgebiet und die Zugänglichkeit vergrößert.

Definition

Das Cover von Bolesław Matuszewskis Buch Une nouvelle source de l'histoire von 1898. (A New Source of History) , die erste Veröffentlichung über die dokumentarische Funktion der Kinematographie.

Der polnische Schriftsteller und Filmemacher Bolesław Matuszewski gehörte zu denen, die die Form des Dokumentarfilms identifizierten. Er schrieb zwei der frühesten Texte zum Kino Une nouvelle source de l'histoire (dt. Eine neue Quelle der Geschichte) und La photographie animée (dt. Animierte Fotografie). Beide wurden 1898 auf Französisch veröffentlicht und gehören zu den frühen schriftlichen Arbeiten, um den historischen und dokumentarischen Wert des Films zu berücksichtigen. Matuszewski gehört auch zu den ersten Filmemachern, die die Einrichtung eines Filmarchivs vorschlagen, um Bildmaterial zu sammeln und sicher aufzubewahren.

Das Wort „Dokumentarfilm“ wurde vom schottischen Dokumentarfilmer John Grierson in seiner Rezension von Robert Flahertys Film Moana (1926) geprägt, der am 8. Februar 1926 in der New York Sun veröffentlicht wurde und von „The Moviegoer“ (ein Pseudonym für Grierson) geschrieben wurde ).

Griersons Prinzipien des Dokumentarfilms waren, dass das Potenzial des Kinos zur Beobachtung des Lebens in einer neuen Kunstform ausgeschöpft werden könnte; dass der „ursprüngliche“ Schauspieler und die „ursprüngliche“ Szene bessere Wegweiser für die Interpretation der modernen Welt sind als ihre Gegenstücke aus der Fiktion; und dass Materialien "so aus dem Rohmaterial genommen" realer sein können als der dargestellte Artikel. In dieser Hinsicht hat Griersons Definition des Dokumentarfilms als "kreativer Umgang mit der Wirklichkeit" eine gewisse Akzeptanz gefunden, wobei diese Position im Widerspruch zu der Provokation des sowjetischen Filmemachers Dziga Vertov steht, "das Leben so zu zeigen, wie es ist" (d.h. das Leben heimlich gefilmt). ) und „das Leben überrascht“ (das von der Kamera provozierte oder überraschte Leben).

Der amerikanische Filmkritiker Pare Lorentz definiert einen Dokumentarfilm als „einen dramatischen Tatsachenfilm“. Andere erklären weiter, dass sich ein Dokumentarfilm von den anderen Arten von Sachfilmen dadurch abhebt, dass er eine Meinung und eine spezifische Botschaft zusammen mit den darin präsentierten Fakten vermittelt. Die Gelehrte Betsy McLane behauptete, dass Dokumentarfilme für Filmemacher da sind, um ihre Ansichten über historische Ereignisse, Menschen und Orte zu vermitteln, die sie für bedeutsam halten. Daher liegt der Vorteil von Dokumentarfilmen in der Einführung neuer Perspektiven, die in traditionellen Medien wie schriftlichen Veröffentlichungen und Schullehrplänen möglicherweise nicht vorherrschend sind.

Dokumentarische Praxis ist der komplexe Prozess der Erstellung dokumentarischer Projekte. Es bezieht sich darauf, was Menschen mit Mediengeräten, Inhalten, Formen und Produktionsstrategien tun, um die kreativen, ethischen und konzeptionellen Probleme und Entscheidungen anzugehen, die sich beim Erstellen von Dokumentarfilmen ergeben.

Dokumentarfilme können als eine Form des Journalismus, der Interessenvertretung oder des persönlichen Ausdrucks genutzt werden.

Geschichte

Vor 1900

Der frühe Film (vor 1900) wurde von der Neuheit dominiert, ein Ereignis zu zeigen. Es waren Einzelaufnahmen, die auf Film festgehalten wurden: ein Zug, der in einen Bahnhof einfährt, ein Boot anlegt, oder Fabrikarbeiter, die ihre Arbeit verlassen. Diese Kurzfilme wurden "Aktualitäts" -Filme genannt; der Begriff „Dokumentarfilm“ wurde erst 1926 geprägt. Viele der ersten Filme, wie die von Auguste und Louis Lumière , waren aufgrund technologischer Einschränkungen eine Minute oder weniger lang (Beispiel auf YouTube).

Filme, die viele Menschen zeigen (z. B. das Verlassen einer Fabrik), wurden oft aus kommerziellen Gründen gedreht: Die gefilmten Menschen wollten gegen Bezahlung den Film sehen, der sie zeigt. Ein bemerkenswerter Film dauerte über anderthalb Stunden, The Corbett-Fitzsimmons Fight . Mit bahnbrechender Film-Looping-Technologie präsentierte Enoch J. Rector den gesamten berühmten Preiskampf von 1897 auf Kinoleinwänden in den Vereinigten Staaten.

Im Mai 1896 filmte Bolesław Matuszewski einige chirurgische Eingriffe in Krankenhäusern in Warschau und Sankt Petersburg . 1898 lud der französische Chirurg Eugène-Louis Doyen Bolesław Matuszewski und Clément Maurice ein und schlug ihnen vor, seine chirurgischen Eingriffe aufzuzeichnen. Irgendwann vor Juli 1898 begannen sie in Paris mit einer Reihe von chirurgischen Filmen. Bis 1906, dem Jahr seines letzten Films, zeichnete Doyen mehr als 60 Operationen auf. Doyen sagte, seine ersten Filme hätten ihm beigebracht, wie man professionelle Fehler korrigiert, die er nicht bemerkt habe. Für wissenschaftliche Zwecke kombinierte Doyen nach 1906 15 seiner Filme in drei Kompilationen, von denen zwei erhalten sind, die sechsteilige Serie Extirpation des tumeurs encapsulées (1906) und die vierteilige Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Diese und fünf weitere Filme von Doyen sind erhalten.

Rahmen aus einem der Wissenschaftsfilme von Gheorghe Marinescu (1899).

Zwischen Juli 1898 und 1901 drehte der rumänische Professor Gheorghe Marinescu in seiner neurologischen Klinik in Bukarest mehrere Wissenschaftsfilme : Walking Troubles of Organic Hemiplegy (1898), The Walking Troubles of Organic Paraplegies (1899), A Case of Hysteric Hemiplegy Healed Through Hypnosis ( 1899), The Walking Troubles of Progressive Locomotion Ataxy (1900) und Illnesses of the Muscles (1901). Alle diese Kurzfilme sind erhalten geblieben. Der Professor nannte seine Arbeiten "Studien mit Hilfe des Kinematographen" und veröffentlichte die Ergebnisse zusammen mit mehreren aufeinanderfolgenden Bildern zwischen 1899 und 1902 in Ausgaben der Zeitschrift La Semaine Médicale aus Paris. 1924 erkannte Auguste Lumiere die Verdienste von an Marinescus Wissenschaftsfilme: „Ich habe Ihre wissenschaftlichen Berichte über den Einsatz des Kinematographen bei der Erforschung von Nervenkrankheiten gesehen, als ich noch La Semaine Médicale erhielt, aber damals hatte ich andere Bedenken, die mir keine Zeit ließen, biologisch zu beginnen Studien. Ich muss sagen, dass ich diese Arbeiten vergessen habe und ich bin Ihnen dankbar, dass Sie sie mir in Erinnerung gerufen haben. Leider sind nicht viele Wissenschaftler Ihrem Weg gefolgt.“

1900–1920

Geoffrey Malins mit einer Aeroscope -Kamera im Ersten Weltkrieg.

Reisefilme waren zu Beginn des 20. Jahrhunderts sehr beliebt. Sie wurden von Distributoren oft als "Scenics" bezeichnet. Landschaftsfilme gehörten damals zu den beliebtesten Filmen. Ein wichtiger früher Film, der über das Konzept des Szenischen hinausging, war In the Land of the Head Hunters (1914), der Primitivismus und Exotik in einer inszenierten Geschichte umfasste, die als wahrheitsgemäße Nachstellungen des Lebens der amerikanischen Ureinwohner präsentiert wurde .

Kontemplation ist ein eigener Bereich. Pathé ist der weltweit bekannteste Hersteller solcher Filme des frühen 20. Jahrhunderts. Ein anschauliches Beispiel ist Moscow Clad in Snow (1909).

In dieser Zeit erschienen biografische Dokumentarfilme, wie der Spielfilm Eminescu-Veronica-Creangă (1914) über die Beziehung zwischen den Schriftstellern Mihai Eminescu , Veronica Micle und Ion Creangă (alle zum Zeitpunkt der Produktion verstorben), der vom Bukarester Kapitel von Pathé veröffentlicht wurde .

Frühe Farbfilmverfahren wie Kinemacolor – bekannt für den Spielfilm With Our King and Queen Through India (1912) – und Prizmacolor – bekannt für Everywhere With Prizma (1919) und den Fünf-Rollen-Spielfilm Bali the Unknown (1921) – verwendeten Reiseberichte um die neuen Farbprozesse zu fördern. Im Gegensatz dazu konzentrierte sich Technicolor hauptsächlich darauf, ihr Verfahren von den Hollywood-Studios für fiktive Spielfilme übernehmen zu lassen.

Ebenfalls in dieser Zeit wurde Frank Hurleys Dokumentarfilm South (1919) über die Imperial Trans-Antarctic Expedition veröffentlicht. Der Film dokumentiert die gescheiterte Antarktisexpedition unter der Leitung von Ernest Shackleton im Jahr 1914.

1920er

Romantik

Mit Robert J. Flahertys Nanook of the North im Jahr 1922 schloss sich der Dokumentarfilm der Romantik an ; Flaherty drehte in dieser Zeit eine Reihe stark inszenierter Liebesfilme, die oft zeigten, wie seine Untertanen 100 Jahre früher gelebt hätten, und nicht, wie sie damals lebten. Zum Beispiel erlaubte Flaherty in Nanook of the North seinen Untertanen nicht, ein Walross mit einer Schrotflinte in der Nähe zu erschießen, sondern ließ sie stattdessen eine Harpune benutzen. Einige von Flahertys Inszenierungen, wie der Bau eines Iglus ohne Dach für Innenaufnahmen, wurden gemacht, um der damaligen Filmtechnik Rechnung zu tragen.

Paramount Pictures versuchte, den Erfolg von Flahertys Nanook und Moana mit zwei romantisierten Dokumentarfilmen zu wiederholen, Grass (1925) und Chang (1927), beide unter der Regie von Merian Cooper und Ernest Schoedsack .

Stadtsymphonie

Das Unterfilmgenre Stadtsymphonie waren Avantgardefilme in den 1920er und 1930er Jahren. Diese Filme wurden besonders von der modernen Kunst beeinflusst ; nämlich Kubismus , Konstruktivismus und Impressionismus . Laut dem Kunsthistoriker und Autor Scott Macdonald können City-Symphony-Filme beschrieben werden als „eine Schnittstelle zwischen Dokumentar- und Avantgardefilm: ein Avant-Doc “; AL Rees schlägt jedoch vor, sie als Avantgarde-Filme zu sehen.

Zu den frühen Titeln dieses Genres gehören: Manhattan (New York; Regie: Paul Strand , 1921); Rien que les heures / Nichts als die Stunden ( Frankreich ; Regie: Alberto Cavalcanti , 1926); Twenty Four Dollar Island (Regie: Robert J. Flaherty , 1927); Études sur Paris (Regie: André Sauvage , 1928); The Bridge (1928) und Rain (1929), beide von Joris Ivens ; São Paulo, Sinfonia da Metrópole (Regie: Adalberto Kemeny , 1929), Berlin: Symphony of a Metropolis (Regie: Walter Ruttmann , 1927); Mann mit einer Filmkamera (Regie: Dziga Vertov , 1929) und Douro, Faina Fluvial (Regie: Manoel de Oliveira , 1931).

In dieser Aufnahme aus Walter Ruttmanns Berlin, Symphony of a Great City (1927) fahren Radfahrer in einer Halle um die Wette. Der Film ist wie ein visuelles Gedicht gedreht und geschnitten.

Ein Stadtsymphoniefilm spielt, wie der Name schon sagt, meistens in einem großen Stadtgebiet und versucht, das Leben, die Ereignisse und Aktivitäten der Stadt einzufangen. Es kann abstrakte Kinematographie sein (Walter Ruttmans Berlin ) oder sowjetische Montagetheorie verwenden (Dziga Vertovs, Man with a Movie Camera ); Vor allem aber ist ein City-Symphonie-Film eine Art Cinepoetry , die im Stil einer „ Symphonie “ gedreht und geschnitten wird.

In dieser Aufnahme von Man with a Movie Camera agiert Mikhail Kaufman als Kameramann, der auf der Suche nach der besten Aufnahme sein Leben riskiert

Die kontinentale Tradition ( Siehe: Realismus ) konzentrierte sich auf Menschen in menschengemachten Umgebungen und umfasste die sogenannten „ Städtesymphonie “-Filme wie Walter Ruttmanns, Berlin, Symphony of a City (von denen Grierson in einem Artikel feststellte, dass Berlin , stellte dar, was ein Dokumentarfilm nicht sein sollte); Alberto Cavalcantis, Rien que les heures; und Dziga Vertovs Mann mit einer Filmkamera . Diese Filme neigen dazu, Menschen als Produkte ihrer Umwelt zu zeigen und neigen zur Avantgarde.

Kino-Prawda

Dziga Vertov spielte in den 1920er Jahren eine zentrale Rolle in der sowjetischen Wochenschauserie Kino-Prawda (wörtlich „filmische Wahrheit“). Vertov glaubte, dass die Kamera – mit ihren vielfältigen Objektiven, Shot-Counter-Shot-Bearbeitung, Zeitraffer, Zeitlupen-, Stop-Motion- und Fast-Motion-Fähigkeit – die Realität genauer wiedergeben könnte als das menschliche Auge, und machte daraus eine Filmphilosophie .

Wochenschau-Tradition

Die Tradition der Wochenschau ist im Dokumentarfilm wichtig; Wochenschauen wurden manchmal auch inszeniert, waren aber normalerweise Nachstellungen von Ereignissen, die bereits stattgefunden hatten, und nicht Versuche, Ereignisse zu steuern, während sie sich gerade ereigneten. Beispielsweise wurde ein Großteil des Schlachtenmaterials aus dem frühen 20. Jahrhundert inszeniert; Die Kameraleute kamen normalerweise nach einer großen Schlacht vor Ort und spielten Szenen nach, um sie zu filmen.

1930er–1940er Jahre

Die propagandistische Tradition besteht aus Filmen, die mit dem ausdrücklichen Zweck gemacht wurden, ein Publikum von einem Punkt zu überzeugen. Einer der berühmtesten und umstrittensten Propagandafilme ist Leni Riefenstahls Film Triumph des Willens (1935), der den NSDAP-Parteitag 1934 aufzeichnete und von Adolf Hitler in Auftrag gegeben wurde . Die linken Filmemacher Joris Ivens und Henri Storck drehten Borinage (1931) über das belgische Kohlebergbaugebiet. Luis Buñuel führte Regie bei einem „ surrealistischen “ Dokumentarfilm Las Hurdes (1933).

Pare Lorentz 's The Plough That Broke the Plains (1936) and The River (1938) und Willard Van Dykes The City (1939) sind bemerkenswerte New-Deal- Produktionen, die jeweils komplexe Kombinationen aus sozialem und ökologischem Bewusstsein, Regierungspropaganda und linke Ansichten. Frank Capras Serie Why We Fight (1942–1944) war eine Wochenschauserie in den Vereinigten Staaten, die von der Regierung in Auftrag gegeben wurde, um die US-Öffentlichkeit davon zu überzeugen, dass es an der Zeit sei, in den Krieg zu ziehen. Constance Bennett und ihr Ehemann Henri de la Falaise produzierten zwei Dokumentarfilme in Spielfilmlänge, Legong: Dance of the Virgins (1935), gedreht auf Bali , und Kilou the Killer Tiger (1936), gedreht in Indochina .

In Kanada wurde das von John Grierson gegründete Film Board aus denselben propagandistischen Gründen gegründet. Es erstellte auch Wochenschauen, die von ihren nationalen Regierungen als legitime Gegenpropaganda zur psychologischen Kriegsführung Nazideutschlands (orchestriert von Joseph Goebbels ) angesehen wurden.

Auf der Konferenz der „Weltunion des Dokumentarfilms“ im Jahr 1948 in Warschau nahmen berühmte Regisseure der damaligen Zeit teil: Basil Wright (links), Elmar Klos , Joris Ivens (2. von rechts) und Jerzy Toeplitz .

In Großbritannien fanden sich unter John Grierson eine Reihe verschiedener Filmemacher zusammen. Sie wurden als Dokumentarfilmbewegung bekannt . Unter anderem Grierson, Alberto Cavalcanti , Harry Watt , Basil Wright und Humphrey Jennings gelang es, Propaganda, Information und Bildung mit einer poetischeren ästhetischen Herangehensweise an den Dokumentarfilm zu verbinden. Beispiele ihrer Arbeit sind Drifters ( John Grierson ), Song of Ceylon ( Basil Wright ), Fires Were Started und A Diary for Timothy ( Humphrey Jennings ). An ihrer Arbeit waren Dichter wie WH Auden , Komponisten wie Benjamin Britten und Schriftsteller wie JB Priestley beteiligt . Zu den bekanntesten Filmen der Bewegung gehören Night Mail und Coal Face .

Film Calling mr. Smith (1943) war ein Anti-Nazi-Farbfilm, der von Stefan Themerson geschaffen wurde und sowohl Dokumentar- als auch Avantgardefilm gegen Krieg war. Es war einer der ersten Anti-Nazi-Filme der Geschichte.

1950er–1970er Jahre

Lennart Meri (1929–2006), der zweite Präsident der Republik Estland , drehte mehrere Jahre vor seiner Präsidentschaft Dokumentarfilme. Sein Film The Winds of the Milky Way gewann 1977 beim New York Film Festival eine Silbermedaille .

Cinéma-vérité

Das Cinéma vérité (oder das eng verwandte direkte Kino ) war auf einige technische Fortschritte angewiesen, um zu existieren: leichte, leise und zuverlässige Kameras und tragbarer Synchronton.

Cinéma vérité und ähnliche dokumentarische Traditionen können daher in einer breiteren Perspektive als Reaktion auf die Zwänge der studiobasierten Filmproduktion gesehen werden. Dreharbeiten vor Ort mit kleineren Crews fanden auch in der französischen New Wave statt, wobei die Filmemacher technologische Fortschritte nutzten, die es kleineren Handkameras und synchronisiertem Ton ermöglichten, Ereignisse vor Ort zu filmen, während sie sich entfalteten.

Obwohl die Begriffe manchmal synonym verwendet werden, gibt es wichtige Unterschiede zwischen dem Cinéma Vérité ( Jean Rouch ) und dem nordamerikanischen „ Direct Cinema “ (oder genauer „ Cinéma Direct “), das unter anderem von den Kanadiern Allan King und Michel Brault entwickelt wurde. und Pierre Perrault sowie die Amerikaner Robert Drew , Richard Leacock , Frederick Wiseman und Albert und David Maysles .

Die Direktoren der Bewegung vertreten unterschiedliche Standpunkte in Bezug auf den Grad der Beteiligung an ihren Themen. Kopple und Pennebaker beispielsweise entscheiden sich für Nichtbeteiligung (oder zumindest keine offene Beteiligung), und Perrault, Rouch, Koenig und Kroitor bevorzugen eine direkte Beteiligung oder sogar Provokation, wenn sie dies für notwendig halten.

Die Filme Chronicle of a Summer ( Jean Rouch ), Dont Look Back ( DA Pennebaker ), Grey Gardens ( Albert und David Maysles ), Titicut Follies ( Frederick Wiseman ), Primary und Crisis: Behind a Presidential Commitment (beide produziert von Robert Drew ) , Harlan County, USA (Regie: Barbara Kopple ), Lonely Boy ( Wolf Koenig und Roman Kroitor ) gelten allesamt als Cinéma-vérité- Filme.

Zu den Grundlagen des Stils gehört es, einer Person während einer Krise mit einer sich bewegenden, oft tragbaren Kamera zu folgen, um persönlichere Reaktionen festzuhalten. Es gibt keine Sit-down-Interviews, und das Aufnahmeverhältnis (die Menge des gedrehten Films zum fertigen Produkt) ist sehr hoch und erreicht oft 80 zu eins. Von dort aus finden und modellieren die Redakteure die Arbeit in einen Film. Die Herausgeber der Bewegung – wie Werner Nold , Charlotte Zwerin, Muffie Myers, Susan Froemke und Ellen Hovde – werden oft übersehen, aber ihr Beitrag zu den Filmen war so wichtig, dass sie oft als Co-Regisseure ausgezeichnet wurden.

Zu den berühmten Cinéma Vérité/Direct Cinema-Filmen gehören Les Raquetteurs , Showman , Salesman , Near Death und The Children Were Watching .

Politische Waffen

In den 1960er und 1970er Jahren wurde der Dokumentarfilm oft als politische Waffe gegen den Neokolonialismus und den Kapitalismus im Allgemeinen konzipiert, insbesondere in Lateinamerika, aber auch in einer sich wandelnden Gesellschaft in Quebec . La Hora de los hornos ( Die Stunde der Hochöfen , aus dem Jahr 1968) unter der Regie von Octavio Getino und Arnold Vincent Kudales Sr. beeinflusste eine ganze Generation von Filmemachern. Unter den vielen politischen Dokumentarfilmen, die in den frühen 1970er Jahren produziert wurden, war „Chile: A Special Report“, der erste eingehende Bericht des öffentlich-rechtlichen Fernsehens über den Sturz der Regierung Salvador Allende in Chile durch Militärführer unter Augusto Pinochet im September 1973 , produziert von den Dokumentaristen Ari Martinez und José García.

In einem Artikel in der New York Times vom Juni 2020 wurde der politische Dokumentarfilm And She Could Be Next unter der Regie von Grace Lee und Marjan Safinia rezensiert. Die Times beschrieb den Dokumentarfilm nicht nur als Fokus auf Frauen in der Politik, sondern insbesondere auf farbige Frauen, ihre Gemeinschaften und die bedeutenden Veränderungen, die sie in Amerika bewirkt haben.

Moderne Dokumentarfilme

Kassenanalysten haben festgestellt, dass dieses Filmgenre bei der Kinoauswertung immer erfolgreicher wird, wobei Filme wie Fahrenheit 9/11 , Super Size Me , Food, Inc. , Earth , March of the Penguins und An Inconvenient Truth zu den bekanntesten Beispielen zählen . Im Vergleich zu dramatischen Spielfilmen haben Dokumentarfilme in der Regel weitaus geringere Budgets, was sie für Filmunternehmen attraktiv macht, da selbst ein begrenzter Kinostart sehr profitabel sein kann.

Das Wesen des Dokumentarfilms hat sich in den letzten 20 Jahren gegenüber dem in den 1960er Jahren eingeführten Cinéma-vérité-Stil erweitert, in dem die Verwendung tragbarer Kameras und Tongeräte eine enge Beziehung zwischen Filmemacher und Subjekt ermöglichte. Die Grenze zwischen Dokumentarfilm und Erzählung verschwimmt und einige Werke sind sehr persönlich, wie etwa Marlon Riggs Tongues Untied ( 1989) und Black Is...Black Ain't (1995), die expressive, poetische und rhetorische Elemente und Akzente mischen Subjektivitäten statt historische Materialien.

Historische Dokumentarfilme wie der wegweisende 14-stündige Eyes on the Prize : America's Civil Rights Years (1986 – Teil 1 und 1989 – Teil 2) von Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) von Spike Lee und The Civil War von Ken Burns , ein von der UNESCO ausgezeichneter unabhängiger Film über Sklaverei 500 Jahre später , drückte nicht nur eine unverwechselbare Stimme aus, sondern auch eine Perspektive und Standpunkte. Einige Filme wie „ The Thin Blue Line “ von Errol Morris enthielten stilisierte Nachstellungen, und „ Roger & Me “ von Michael Moore übertrug dem Regisseur weitaus mehr interpretatorische Kontrolle. Der kommerzielle Erfolg dieser Dokumentarfilme könnte sich aus dieser erzählerischen Verschiebung in der Dokumentarform ergeben, was einige Kritiker zu der Frage veranlasst, ob solche Filme wirklich Dokumentarfilme genannt werden können; Kritiker bezeichnen diese Werke manchmal als „ Mondo-Filme “ oder „Doku-Ganda“. Seit der Arbeit von Flaherty wurde jedoch eine Regiemanipulation dokumentarischer Themen festgestellt, die aufgrund problematischer ontologischer Grundlagen für die Form endemisch sein kann.

Dokumentarfilmer setzen bei ihren Filmen zunehmend auf Social-Impact-Kampagnen. Social-Impact-Kampagnen zielen darauf ab, Medienprojekte zu nutzen, indem sie das öffentliche Bewusstsein für soziale Probleme und Ursachen in Engagement und Aktion umwandeln, indem sie dem Publikum vor allem eine Möglichkeit bieten, sich zu beteiligen. Beispiele für solche Dokumentarfilme sind Kony 2012 , Salam Neighbor , Gasland , Living on One Dollar und Girl Rising .

Obwohl Dokumentarfilme mit der zunehmenden Popularität des Genres und dem Aufkommen der DVD finanziell rentabler sind, bleibt die Finanzierung der Dokumentarfilmproduktion schwer fassbar. In den letzten zehn Jahren sind die größten Ausstellungsmöglichkeiten innerhalb des Rundfunkmarktes entstanden, wodurch Filmemacher dem Geschmack und den Einflüssen der Rundfunkanstalten verpflichtet sind, die zu ihrer größten Finanzierungsquelle geworden sind.

Moderne Dokumentarfilme haben einige Überschneidungen mit Fernsehformen, mit der Entwicklung des "Reality-Fernsehens", das gelegentlich an das Dokumentarische grenzt, aber häufiger ins Fiktionale oder Inszenierte übergeht. Die „Making-of“-Doku zeigt, wie ein Film oder ein Computerspiel entstanden ist. Normalerweise für Werbezwecke gemacht, ähnelt es eher einer Werbung als einer klassischen Dokumentation.

Moderne, leichte digitale Videokameras und computerbasierte Bearbeitung haben Dokumentarfilmern sehr geholfen, ebenso wie der dramatische Rückgang der Ausrüstungspreise. Der erste Film, der diese Veränderung voll ausnutzte, war Martin Kunert und Eric Manes ' Voices of Iraq , wo 150 DV-Kameras während des Krieges in den Irak geschickt und an Iraker verteilt wurden, um sich selbst aufzunehmen.

Dokumentationen ohne Worte

Filme in dokumentarischer Form ohne Worte sind entstanden. „Listen to Britain “ von Humphrey Jennings und Stuart McAllister aus dem Jahr 1942 ist eine wortlose Meditation über Großbritannien im Krieg. Ab 1982 könnte man die Qatsi-Trilogie und das ähnliche Baraka als visuelle Tondichtungen bezeichnen, mit Musik, die sich auf die Bilder bezieht, aber keinen gesprochenen Inhalt. Koyaanisqatsi (Teil der Qatsi-Trilogie) besteht hauptsächlich aus Zeitlupen- und Zeitrafferaufnahmen von Städten und vielen Naturlandschaften in den Vereinigten Staaten. Baraka versucht, den großen Puls der Menschheit einzufangen, während sie in täglichen Aktivitäten und religiösen Zeremonien strömt und schwärmt.

Bodysong wurde 2003 gedreht und gewann einen British Independent Film Award als „Best British Documentary“.

Der Film Genesis aus dem Jahr 2004 zeigt Tier- und Pflanzenwelt in Zuständen von Expansion, Verfall, Sex und Tod, mit einigen, aber wenigen, Erzählungen.

Erzählstile

Voice-Over-Erzähler

Der traditionelle Erzählstil besteht darin, dass ein engagierter Erzähler ein Skript vorliest, das auf die Audiospur synchronisiert wird. Der Erzähler erscheint nie vor der Kamera und hat möglicherweise nicht unbedingt Kenntnisse über das Thema oder ist am Schreiben des Drehbuchs beteiligt.

Stille Erzählung

Dieser Erzählstil verwendet Titelbildschirme , um den Dokumentarfilm visuell zu erzählen. Die Bildschirme werden etwa 5–10 Sekunden gehalten, damit der Betrachter ausreichend Zeit hat, sie zu lesen. Sie ähneln denen, die am Ende von Filmen gezeigt werden, die auf wahren Geschichten basieren, aber sie werden durchgehend gezeigt, normalerweise zwischen den Szenen.

Gehosteter Erzähler

Bei diesem Stil gibt es einen Moderator, der vor der Kamera auftritt, Interviews führt und auch Voice-Overs macht.

Andere Formen

Hybrider Dokumentarfilm

Die Veröffentlichung von The Act of Killing (2012) unter der Regie von Joshua Oppenheimer hat Möglichkeiten für neue Formen des hybriden Dokumentarfilms eröffnet. Das traditionelle Dokumentarfilmschaffen entfernt typischerweise Anzeichen der Fiktionalisierung, um sich von fiktionalen Filmgenres abzugrenzen. Das Publikum ist in letzter Zeit misstrauischer gegenüber der traditionellen Faktenproduktion der Medien geworden, was es empfänglicher für experimentelle Arten des Erzählens von Fakten gemacht hat. Der hybride Dokumentarfilm implementiert Wahrheitsspiele, um die traditionelle Faktenproduktion herauszufordern. Obwohl faktenbasiert, macht der hybride Dokumentarfilm nicht explizit, was verstanden werden soll, und schafft einen offenen Dialog zwischen Subjekt und Publikum. Clio BarnardsThe Arbor “ (2010), Joshua OppenheimersThe Act of Killing “ (2012), Mads Brüggers „ The Ambassador “ und Alma Har’elsBombay Beach “ (2011) sind einige bemerkenswerte Beispiele.

Dokufiktion

Docufiction ist ein hybrides Genre aus zwei grundlegenden Genres, Spielfilm und Dokumentarfilm, das seit den ersten Dokumentarfilmen praktiziert wird.

Gefälschte Fiktion

Fake-Fiction ist ein Genre, das bewusst reale, nicht geschriebene Ereignisse in Form eines Spielfilms darstellt und sie so inszeniert erscheinen lässt. Das Konzept wurde von Pierre Bismuth eingeführt, um seinen Film Where is Rocky II? (2016 ) zu beschreiben.

DVD-Dokumentation

Eine DVD-Dokumentation ist ein Dokumentarfilm von unbestimmter Länge, der mit der alleinigen Absicht produziert wurde, ihn für den direkten Verkauf auf DVD an die Öffentlichkeit zu bringen, im Gegensatz zu einer Dokumentation, die zuerst im Fernsehen oder auf einer Kinoleinwand (auch bekannt als Kinofilm) erstellt und veröffentlicht wird Veröffentlichung ) und anschließend auf DVD für den öffentlichen Konsum.

Diese Form der Dokumentarfilmveröffentlichung wird immer beliebter und akzeptierter, da die Kosten und Schwierigkeiten beim Finden von Sendeplätzen für Fernseh- oder Kinostarts steigen. Es wird auch häufig für eher "spezialisierte" Dokumentarfilme verwendet, die für ein breiteres Fernsehpublikum möglicherweise kein allgemeines Interesse haben. Beispiele sind Militär, Kultur, Kunst, Verkehr, Sport usw.

Compilation-Filme

Compilation-Filme wurden 1927 von Esfir Schub mit The Fall of the Romanov Dynasty entwickelt . Neuere Beispiele sind Point of Order! (1964) unter der Regie von Emile de Antonio über die McCarthy-Anhörungen. In ähnlicher Weise kombiniert The Last Cigarette die Aussagen verschiedener Führungskräfte von Tabakunternehmen vor dem US-Kongress mit archivalischer Propaganda, die die Vorzüge des Rauchens preist.

Poetische Dokumentarfilme, die erstmals in den 1920er Jahren erschienen, waren eine Art Reaktion sowohl auf den Inhalt als auch auf die sich schnell herauskristallisierende Grammatik des frühen Spielfilms. Der poetische Modus entfernte sich von der Kontinuitätsbearbeitung und organisierte stattdessen Bilder der materiellen Welt durch Assoziationen und Muster, sowohl zeitlich als auch räumlich. Abgerundete Charaktere – „lebensechte Menschen“ – fehlten; Stattdessen erschienen Menschen in diesen Filmen als Entitäten, genau wie alle anderen, die in der materiellen Welt zu finden sind. Die Filme waren fragmentarisch, impressionistisch, lyrisch. Ihre Unterbrechung der Kohärenz von Zeit und Raum – eine Kohärenz, die von den damaligen Spielfilmen bevorzugt wurde – kann auch als Element des modernistischen Gegenmodells des filmischen Erzählens gesehen werden. Die „reale Welt“ – Nichols nennt sie die „historische Welt“ – wurde in Fragmente zerlegt und filmisch ästhetisch rekonstruiert. Beispiele für diesen Stil sind Joris Ivens' Rain (1928), der einen vorbeiziehenden Sommerschauer über Amsterdam aufzeichnet; László Moholy-Nagys Lichtspiel : Schwarz, Weiß, Grau (1930) , in dem er eine seiner eigenen kinetischen Skulpturen filmt, wobei er nicht die Skulptur selbst, sondern das Lichtspiel um sie herum betont; Oskar Fischingers abstrakte Animationsfilme; Francis Thompsons NY, NY (1957), ein Stadtsymphoniefilm; und Chris Markers Sans Soleil (1982).

Expository-Dokumentationen sprechen den Zuschauer direkt an, oft in Form eines maßgeblichen Kommentars, der Voiceover oder Titel verwendet und ein starkes Argument und einen starken Standpunkt vorschlägt. Diese Filme sind rhetorisch und versuchen, den Zuschauer zu überzeugen. (Sie können eine satte und sonore Männerstimme verwenden.) Der (Stimme-Gottes)-Kommentar klingt oft „objektiv“ und allwissend. Bilder stehen oft nicht im Vordergrund; Sie existieren, um das Argument voranzubringen. Die Rhetorik drängt uns eindringlich dazu, die Bilder in einer bestimmten Weise zu lesen. Historische Dokumentationen in diesem Modus liefern eine unproblematische und "objektive" Darstellung und Interpretation vergangener Ereignisse.

Beispiele: TV-Shows und Filme wie Biography , America's Most Wanted , viele Wissenschafts- und Naturdokumentationen, Ken Burns ' The Civil War (1990), Robert Hughes ' The Shock of the New (1980), John Bergers Ways Of Seeing (1974 ), Frank Capras Kriegsserie Why We Fight und Pare Lorentzs The Plough That Broke The Plains (1936).

Beobachtungs

Filmteam im Hafen von Dar es Salaam mit zwei Fähren

Beobachtungsdokumentationen versuchen, ihre Subjekte mit minimalem Eingriff spontan zu beobachten. Filmemacher, die in diesem Subgenre arbeiteten, sahen den poetischen Modus oft als zu abstrakt und den darstellenden Modus als zu didaktisch an. Die ersten Beobachtungsdokumente stammen aus den 1960er Jahren; Zu den technologischen Entwicklungen, die sie ermöglicht haben, gehören mobile leichte Kameras und tragbare Tonaufzeichnungsgeräte für synchronisierten Ton. Oft verzichtete diese Art des Films auf Voice-Over-Kommentare, nachsynchronisierte Dialoge und Musik oder Nachstellungen. Die Filme zielten auf Unmittelbarkeit, Intimität und Enthüllung des individuellen menschlichen Charakters in alltäglichen Lebenssituationen ab.

Typen

Partizipative Dokumentarfilmer glauben, dass es für den Akt des Filmemachens unmöglich ist, die gefilmten Ereignisse nicht zu beeinflussen oder zu verändern. Diese Filme ahmen den Ansatz des Anthropologen nach: teilnehmende Beobachtung. Der Filmemacher ist nicht nur Teil des Films, wir bekommen auch ein Gefühl dafür, wie Situationen im Film durch ihre Anwesenheit beeinflusst oder verändert werden. Nichols: „Der Filmemacher tritt hinter dem Mantel des Voice-Over-Kommentars hervor, tritt weg von der poetischen Meditation, tritt von einer Fliegenstange herunter und wird ein sozialer Akteur (fast) wie jeder andere. (Fast wie jeder andere, weil der Filmemacher die Kamera behält und damit ein gewisses Maß an potentieller Macht und Kontrolle über die Ereignisse.)" Die Begegnung zwischen Filmemacher und Subjekt wird zu einem kritischen Element des Films. Rouch und Morin nannten den Ansatz cinéma vérité und übersetzten Dziga Vertovs kinopravda ins Französische; die „Wahrheit“ bezieht sich eher auf die Wahrheit der Begegnung als auf eine absolute Wahrheit.

Reflexive Dokumentarfilme verstehen sich nicht als transparentes Fenster zur Welt; Stattdessen lenken sie die Aufmerksamkeit auf ihre eigene Konstruiertheit und die Tatsache, dass sie Repräsentationen sind. Wie wird die Welt durch Dokumentarfilme repräsentiert? Diese Frage ist zentral für dieses Subgenre von Filmen. Sie veranlassen uns, „die Authentizität des Dokumentarischen im Allgemeinen zu hinterfragen“. Es ist der selbstbewussteste aller Modi und steht dem "Realismus" sehr skeptisch gegenüber. Es kann Brechtsche Verfremdungsstrategien anwenden, um uns zu erschüttern, um zu „verfremden“, was wir sehen und wie wir es sehen.

Performative Dokumentarfilme betonen subjektive Erfahrungen und emotionale Reaktionen auf die Welt. Sie sind stark persönlich, unkonventionell, vielleicht poetisch und/oder experimentell und können hypothetische Inszenierungen von Ereignissen beinhalten, die uns erfahren lassen sollen, wie es für uns sein könnte, eine bestimmte spezifische Perspektive auf die Welt zu haben, die nicht unsere eigene ist, z. B. diese von schwarzen, schwulen Männern in Marlon Riggs' Tongues Untied (1989) oder Jenny Livingstons Paris Is Burning (1991). Dieses Subgenre könnte sich auch für bestimmte Gruppen (z. B. Frauen, ethnische Minderheiten, Schwule und Lesben usw.) anbieten, um „über sich selbst zu sprechen“. Oft wird eine Reihe von Techniken verwendet, von denen viele aus Fiktions- oder Avantgardefilmen entlehnt sind. Performative Dokumentationen verknüpfen oft persönliche Berichte oder Erfahrungen mit größeren politischen oder historischen Realitäten.

Lehrfilme

Dokumentarfilme werden in Schulen auf der ganzen Welt gezeigt, um Schüler zu unterrichten. Sie werden verwendet, um Kindern verschiedene Themen vorzustellen, werden oft in einer Schulstunde verwendet oder viele Male gezeigt, um eine Idee zu untermauern.

Übersetzung

Mit der Übersetzung von Dokumentarfilmen sind mehrere Herausforderungen verbunden. Die beiden wichtigsten sind Arbeitsbedingungen und Probleme mit der Terminologie.

Arbeitsbedingungen

Dokumentarübersetzer müssen sehr oft enge Fristen einhalten. Normalerweise hat der Übersetzer fünf bis sieben Tage Zeit, um die Übersetzung einer 90-minütigen Sendung abzuliefern. Synchronstudios geben Übersetzern normalerweise eine Woche Zeit, um einen Dokumentarfilm zu übersetzen, aber um ein gutes Gehalt zu verdienen, müssen Übersetzer ihre Übersetzungen in viel kürzerer Zeit liefern, normalerweise wenn das Studio beschließt, dem Kunden das endgültige Programm früher oder später zu liefern Rundfunksender setzt eine knappe Frist, z. B. für Dokumentarfilme, in denen die neuesten Nachrichten diskutiert werden.

Ein weiteres Problem ist das Fehlen eines Postproduktionsskripts oder die schlechte Qualität der Transkription. Eine korrekte Transkription ist für einen Übersetzer unerlässlich, um seine Arbeit richtig zu erledigen, aber oft wird dem Übersetzer nicht einmal das Skript gegeben, was ein großes Hindernis darstellt, da Dokumentarfilme durch „die Fülle an terminologischen Einheiten und sehr spezifischen Eigennamen“ gekennzeichnet sind. Wenn das Skript dem Übersetzer übergeben wird, ist es normalerweise schlecht transkribiert oder völlig falsch, was die Übersetzung unnötig schwierig und anspruchsvoll macht, da alle Eigennamen und spezifischen Terminologien in einem Dokumentarprogramm korrekt sein müssen, damit es eine zuverlässige Quelle ist von Informationen, daher muss der Übersetzer jeden Begriff selbst überprüfen. Solche Fehler bei Eigennamen sind zum Beispiel: „Jungle Reinhard statt Django Reinhart, Jorn Asten statt Jane Austen und Magnus Axle statt Aldous Huxley“.

Terminologie

Der Prozess der Übersetzung eines Dokumentarprogramms erfordert die Arbeit mit sehr spezifischer, oft wissenschaftlicher Terminologie. Dokumentarübersetzer sind in der Regel keine Spezialisten auf einem bestimmten Gebiet. Daher sind sie gezwungen, umfangreiche Nachforschungen anzustellen, wann immer sie gebeten werden, eine bestimmte Dokumentarsendung zu übersetzen, um sie richtig zu verstehen und das Endprodukt frei von Fehlern und Ungenauigkeiten zu liefern. Dokumentarfilme enthalten in der Regel eine Vielzahl von Fachbegriffen, mit denen sich Übersetzer selbstständig vertraut machen müssen, zum Beispiel:

Der Dokumentarfilm Beetles, Record Breakers verwendet in weniger als 30 Minuten 15 verschiedene Begriffe, um sich auf Käfer zu beziehen (Bockkäfer, Kellerkäfer, Hirschkäfer, Totengräber, Küsterkäfer, Sandlaufkäfer, Blutnasenkäfer, Schildkrötenkäfer, Tauchen). Käfer, Teufelskutschenpferd, Rüsselkäfer, Schnellkäfer, Malachitkäfer, Ölkäfer, Maikäfer), abgesehen von der Erwähnung anderer Tiere wie Hufeisennase oder Wiesenfalter.

Dies stellt die Übersetzer vor eine echte Herausforderung, da sie die Bedeutung eines sehr spezifischen, wissenschaftlichen Begriffs in der Zielsprache wiedergeben, dh ein Äquivalent finden müssen, und häufig verwendet der Erzähler anstelle eines spezifischen Begriffs einen allgemeineren Namen und der Übersetzer hat dies getan sich auf das im Programm präsentierte Bild zu verlassen, um zu verstehen, welcher Begriff diskutiert wird, um ihn entsprechend in die Zielsprache zu übertragen. Darüber hinaus haben Übersetzer von Minderheitensprachen oft mit einem weiteren Problem zu kämpfen: Manche Begriffe existieren möglicherweise gar nicht in der Zielsprache. In solchen Fällen müssen sie neue Terminologie erstellen oder Spezialisten konsultieren, um geeignete Lösungen zu finden. Außerdem weicht die offizielle Nomenklatur manchmal von der Terminologie tatsächlicher Spezialisten ab, was es dem Übersetzer überlässt, sich zu entscheiden, ob er das offizielle Vokabular verwendet, das im Wörterbuch zu finden ist, oder sich eher für spontane Ausdrücke entscheidet, die von echten Experten in Situationen des wirklichen Lebens verwendet werden.

Siehe auch

Einige Dokumentarfilmpreise

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Verweise