Karnatische Musik -Carnatic music

Karnatische Musik , in den südindischen Sprachen als Karnāṭaka saṃgīta oder Karnāṭaka saṅgītam bekannt , ist ein Musiksystem , das allgemein mit Südindien in Verbindung gebracht wird , einschließlich der modernen indischen Bundesstaaten Karnataka , Andhra Pradesh , Telangana , Kerala und Tamil Nadu sowie Sri Lanka . Es ist eines von zwei Hauptsubgenres der klassischen indischen Musik , das sich aus den alten Sanatana-Dharma - Wissenschaften und -Traditionen, insbesondere dem Samaveda , entwickelt hat . Das andere Subgenre ist Hindustani-Musik, die aufgrund persischer oder islamischer Einflüsse aus Nordindien als eigenständige Form entstand . Der Schwerpunkt in der karnatischen Musik liegt auf der Vokalmusik; Die meisten Kompositionen sind zum Singen geschrieben, und selbst wenn sie auf Instrumenten gespielt werden, sollen sie im Gāyaki- (Gesangs-) Stil aufgeführt werden.

Obwohl es stilistische Unterschiede gibt, bilden die Grundelemente von śruti (die relative Tonhöhe), Swara (der musikalische Klang einer einzelnen Note), Raga (der Modus oder die melodischen Formeln) und Tala (die rhythmischen Zyklen) die Grundlage der Improvisation und Komposition sowohl in der karnatischen als auch in der hinduistischen Musik. Obwohl Improvisation eine wichtige Rolle spielt, wird karnatische Musik hauptsächlich durch Kompositionen gesungen, insbesondere durch Kriti (oder Kirtanam) – eine Form, die zwischen dem 14. und 20. Jahrhundert von Komponisten wie Purandara Dasa und der Trinity of Carnatic Music entwickelt wurde . Karnatische Musik wird normalerweise auch durch Kompositionen gelehrt und gelernt. Die Telugu -Sprache dominiert in der Entwicklung der karnatischen Musik, da die meisten Kompositionen in Telugu oder Sanskrit sind, einige wenige in Tamil .

Karnatische Musik wird normalerweise von einem kleinen Ensemble von Musikern aufgeführt, das aus einem Hauptdarsteller (normalerweise einem Sänger), einer melodischen Begleitung (normalerweise einer Violine ), einer Rhythmusbegleitung (normalerweise einem Mridangam ) und einer Tambura besteht, die als Drohne fungiert während der gesamten Aufführung. Andere typische Instrumente, die bei Aufführungen verwendet werden, können Ghatam , Kanjira , Morsing , Venu - Flöte, Veena und Chitraveena umfassen . Die größte Konzentration karnatischer Musiker ist in der Stadt Chennai zu finden . In ganz Indien und im Ausland finden verschiedene karnatische Musikfestivals statt, darunter die Madras Music Season , die als eine der größten kulturellen Veranstaltungen der Welt gilt.

Herkunft, Quellen und Geschichte

Saraswati , die hinduistische Göttin des Wissens, der Musik, der Künste und der Wissenschaft, mit ihrem Instrument, der Vina .

Wie alle Kunstformen in der indischen Kultur wird angenommen, dass die indische klassische Musik eine göttliche Kunstform ist, die von den Devas und Devis ( hinduistischen Göttern und Göttinnen) stammt und als Symbol für nāda brāhman verehrt wird . Alte Abhandlungen beschreiben auch die Verbindung des Ursprungs der Swaras oder Noten mit den Geräuschen von Tieren und Vögeln und die Bemühungen des Menschen, diese Geräusche durch einen scharfen Sinn für Beobachtung und Wahrnehmung zu simulieren. Der Sama Veda , von dem angenommen wird, dass er den Grundstein für die klassische indische Musik gelegt hat, besteht aus Hymnen aus dem Rigveda , die auf musikalische Melodien gesetzt sind, die während vedischer Yajnas mit drei bis sieben Musiknoten gesungen werden . Der Yajur-Veda , der hauptsächlich aus Opferformeln besteht, erwähnt die Vina als Begleitung von Gesangsrezitationen. In vielen alten Texten, einschließlich Epen wie Ramayana und Mahabharata , finden sich Hinweise auf die klassische indische Musik . Die Yajnavalkya Smriti erwähnt वीणावादन तत्त्वज्ञः श्रुतीजातिविशारदः ताळज्ञश्चाप्रयासेन मोक्षमार्गं नियच्छति ( vīṇāvādana tattvajñaḥ śrutijātiviśāradaḥ tālajñaścāprayāsena mokṣamārgaṃ niyacchati „Derjenige, der gut in versiert ist veena , einer, der das Wissen der Srutis hat und derjenige, der geschickt in Tala wird, erreicht Befreiung ( Moksha ) ohne Zweifel "). Karnatische Musik basiert wie heute auf musikalischen Konzepten (einschließlich Swara , Raga und Tala ), die in mehreren alten Werken detailliert beschrieben wurden, insbesondere in Natya Shastra von Bharata und Silappadhikaram von Ilango Adigal .

Aufgrund der persischen und islamischen Einflüsse in Nordindien ab dem 12. Jahrhundert begann sich die klassische indische Musik in zwei unterschiedliche Stile aufzuteilen – hinduistische Musik und karnatische Musik. Kommentare und andere Werke, wie etwa Sharngadevas Sangita Ratnakara , führten die musikalischen Konzepte der klassischen indischen Musik weiter aus. Im 16. und 17. Jahrhundert gab es eine klare Abgrenzung zwischen karnatischer und hinduistischer Musik; Die karnatische Musik blieb von persischen und arabischen Einflüssen relativ unberührt. Zu dieser Zeit blühte die karnatische Musik in Vijayanagara auf , während das Vijayanagar-Reich seine größte Ausdehnung erreichte. Purandara Dasa , der als „Vater ( Pitamaha ) der karnatischen Musik“ bekannt ist, formulierte das System, das allgemein für das Lehren der karnatischen Musik verwendet wird. Venkatamakhin erfand und verfasste die Formel für das Melakarta -System der Raga-Klassifizierung in seinem Sanskrit-Werk Chaturdandi Prakasika (1660 n. Chr.). Govindacharya ist dafür bekannt, das Melakarta-System in das Sampoorna-Raga- Schema zu erweitern – das System, das heute allgemein verwendet wird.

Im 18. und 19. Jahrhundert wurde die karnatische Musik hauptsächlich von den lokalen Königen des Königreichs Mysore , des Königreichs Travancore und der Maratha-Herrscher von Tanjore unterstützt . Einige der Könige der Königreiche Mysore und Travancore waren selbst bekannte Komponisten und beherrschten das Spielen von Musikinstrumenten wie Veena, Rudra Veena , Geige , Ghatam , Flöte , Mridangam , Nagaswara und Swarabhat. Einige berühmte musikkundige Hofmusiker waren unter anderem Veene Sheshanna (1852–1926) und Veene Subbanna (1861–1939).

Während des späten 19. Jahrhunderts entwickelte sich die Stadt Chennai (damals bekannt als Madras ) zum Ort der karnatischen Musik. Mit der Auflösung der ehemaligen Fürstenstaaten und dem Ende der indischen Unabhängigkeitsbewegung im Jahr 1947 durchlief die karnatische Musik eine radikale Verschiebung der Schirmherrschaft in eine Kunst der Massen mit Eintrittskartenaufführungen, die von privaten Institutionen namens Sabhās organisiert wurden .

Natur

Der Schwerpunkt in der karnatischen Musik liegt auf der Vokalmusik; Die meisten Kompositionen sind zum Singen geschrieben, und selbst wenn sie auf Instrumenten gespielt werden, sollen sie in einem Gesangsstil (bekannt als Gāyaki ) aufgeführt werden. Wie die hinduistische Musik ruht die karnatische Musik auf zwei Hauptelementen: rāga , die Modi oder melodischen Formeln, und tāḷa , die rhythmischen Zyklen.

Heute wird karnatische Musik von Musikern in Konzerten oder Aufnahmen präsentiert, entweder stimmlich oder durch Instrumente. Die karnatische Musik selbst entwickelte sich um Musikwerke oder Kompositionen phänomenaler Komponisten (siehe unten).

Wichtige Elemente

Śruti

Śruti bezieht sich allgemein auf die Tonhöhe. Es ist das ungefähre Äquivalent eines Tonikums (oder weniger genau einer Tonart) in der westlichen Musik; es ist die Note, von der alle anderen abgeleitet werden. Es wird auch im Sinne von abgestuften Tonhöhen in einer Oktave verwendet . Während es in der karnatischen Musik eine unendliche Anzahl von Klängen gibt, die in eine Tonleiter (oder einen Raga) fallen, beträgt die Zahl, die durch die auditive Wahrnehmung unterschieden werden kann, zweiundzwanzig (obwohl im Laufe der Jahre mehrere von ihnen konvergiert haben). In diesem Sinne ist sruti, obwohl es von der auditiven Wahrnehmung bestimmt wird, auch ein Ausdruck im Geist des Zuhörers.

Swara

Swara bezieht sich auf eine Art musikalischen Klang, der eine einzelne Note ist, die eine relative (höhere oder niedrigere) Position einer Note definiert, anstatt eine definierte Frequenz. Swaras beziehen sich auch auf die Solfege der karnatischen Musik, die aus sieben Tönen bestehen, "sa-ri-ga-ma-pa-da-ni" (vergleiche mit dem hinduistischen Sargam : sa - re -ga-ma- padha - ni oder westliches do-re-mi-fa-so-la-ti). Diese Namen sind Abkürzungen der längeren Namen Shadja , Rishabha , Gandhara , Madhyama , Panchama , Dhaivata und Nishada . Im Gegensatz zu anderen Musiksystemen hat jedes Mitglied der Solfege ( Swara genannt ) drei Varianten. Die Ausnahmen sind die Drohnennoten, Shadja und Panchama (auch als Tonika und Dominante bekannt ), die nur eine Form haben; und Madhyama (die Subdominante ), die zwei Formen hat. Eine Steininschrift aus dem 7. Jahrhundert in Kudumiyan Malai in Tamil Nadu zeigt Vokaländerungen zu Solfege-Symbolen mit ra, ri, ru usw., um die höheren Vierteltöne zu bezeichnen. In einer Tonleiter oder Raga ist normalerweise nur eine Variante jeder Note vorhanden. Die Ausnahmen bestehen in "leichten" Ragas, in denen es aus künstlerischen Gründen zwei geben kann, einen aufsteigenden (im Arohanam ) und einen anderen absteigenden (im Avarohanam ).

Raga-System

Ein Raga in der karnatischen Musik schreibt eine Reihe von Regeln für den Aufbau einer Melodie vor – sehr ähnlich dem westlichen Moduskonzept . Es legt Regeln für Aufwärts- ( aarohanam ) und Abwärtsbewegungen ( avarohanam ) fest, die Tonleiter , welche Noten eine größere Rolle spielen und welche Noten sparsamer verwendet werden sollten, welche Noten mit Gamaka (Ornament) gesungen werden dürfen, welche Phrasen verwendet oder vermieden werden sollten , und so weiter. Tatsächlich handelt es sich um eine Reihe obligatorischer musikalischer Ereignisse, die entweder unbedingt oder mit einer bestimmten Häufigkeit eingehalten werden müssen.

In der karnatischen Musik werden die Sampoorna-Ragas (diejenigen mit allen sieben Noten in ihren Tonleitern) in ein System namens Melakarta eingeteilt, das sie nach der Art ihrer Noten gruppiert. Es gibt zweiundsiebzig Melakarta-Ragas , von denen sechsunddreißig Madhyama ( Subdominante ) Shuddha ( perfekte Quarte vom Tonikum) ist, die restlichen sechsunddreißig Madhyama (Subdominante) Prati (eine übermäßige Quarte vom Tonikum). Die Ragas sind in Sechsergruppen gruppiert, die als Chakren ("Räder", obwohl in der herkömmlichen Darstellung eigentlich Segmente) bezeichnet werden, die nach den Graden der supertonischen und medianten Tonleiter gruppiert sind. Es gibt ein System, das als Katapayadi Sankhya bekannt ist , um die Namen von Melakarta Ragas zu bestimmen .

Ragas können in zwei Klassen eingeteilt werden: Janaka-Ragas (dh Melakarta oder Eltern-Ragas) und Janya - Ragas (Nachkomme-Ragas eines bestimmten Janaka-Ragas). Janya Ragas werden selbst in verschiedene Kategorien unterteilt.

Tala-System

Tala bezieht sich auf einen festen Zeitzyklus oder Takt, der für eine bestimmte Komposition festgelegt ist und aus Gruppierungen von Schlägen besteht. Talas haben Zyklen mit einer definierten Anzahl von Schlägen und ändern sich selten innerhalb eines Songs. Sie haben spezifische Komponenten, die in Kombination die Vielfalt der Existenz (über 108) hervorrufen können, wodurch verschiedene Kompositionen unterschiedliche Rhythmen haben können.

Karnatische Musiksänger halten normalerweise den Takt, indem sie ihre Hände in bestimmten Mustern auf und ab bewegen und gleichzeitig ihre Finger verwenden, um den Takt zu halten. Tala besteht aus drei grundlegenden Teilen (genannt anga s), nämlich laghu , dhrtam und anudhrtam , obwohl komplexe talas auch andere Teile wie plutam , guru und kaakapaadam haben können . Es gibt sieben grundlegende Tala - Gruppen, die aus Laghu , Dhrtam und Anudhrtam gebildet werden können :

  • Ata Tala
  • Dhruva tala
  • Eka Tala
  • Jhampa tala
  • Matja tala
  • Rupaka tala
  • Triputa tala

Ein Laghu hat fünf Varianten (genannt Jaathi s), basierend auf dem Zählmuster. Fünf Jaathis mal sieben Tala-Gruppen ergeben fünfunddreißig grundlegende Tala s, obwohl die Verwendung anderer anga s insgesamt 108 Tala s ergibt.

Improvisation

Improvisation im Raga ist die Seele der klassischen indischen Musik – ein wesentlicher Aspekt. „ Manodharma Sangeetam “ oder „ kalpana Sangeetam “ („Musik der Vorstellungskraft“), ​​wie es in der karnatischen Musik bekannt ist, umfasst verschiedene Spielarten der Improvisation.

Die wichtigsten traditionellen Formen der Improvisation in der karnatischen Musik bestehen aus den folgenden:

  • Alapana
  • Niraval
  • Pallavi
  • Ragam
  • Swarakalpana
  • Tanam
  • Tani Avartanam

Raga Alapana

Ein Alapana, manchmal auch Ragam genannt, ist die Exposition eines Raga oder Tons – eine langsame Improvisation ohne Rhythmus, bei der der Raga als Grundlage der Verzierung dient. Bei der Aufführung von Alapana betrachten die Darsteller jeden Raga als ein Objekt, das Anfänge und Enden hat und irgendwie aus Gedankenfolgen besteht.

Der Interpret wird das Ragam erkunden und seine verschiedenen Nuancen berühren, indem er zuerst in den tieferen Oktaven singt und sich dann allmählich zu höheren Oktaven bewegt, während er einen Hinweis auf das Lied gibt, das aufgeführt werden soll.

Theoretisch sollte dies die einfachste Art der Improvisation sein, da es so wenige Regeln gibt, aber tatsächlich braucht es viel Geschick, um ein angenehmes, umfassendes (im Sinne eines "Gefühls für das Ragam") und vor allem die meisten zu singen vor allem original raga alapana.

Niraval

Niraval, das normalerweise von den fortgeschritteneren Interpreten aufgeführt wird, besteht darin, ein oder zwei Textzeilen eines Liedes wiederholt zu singen, jedoch mit einer Reihe von melodischen improvisierten Ausarbeitungen. Obwohl niraval aus spontanen melodischen Variationen besteht, werden im Allgemeinen die ursprünglichen Muster der Dauer beibehalten; Jedes Wort in den Textzeilen bleibt an seinem ursprünglichen Platz ( idam ) im Tala -Zyklus. Die Linien werden dann auch mit unterschiedlichen Geschwindigkeitsstufen gespielt, die doppelte Geschwindigkeit, dreifache Geschwindigkeit, vierfache Geschwindigkeit und sogar sechsfache Geschwindigkeit umfassen können. Die improvisierten Ausarbeitungen werden im Hinblick darauf gemacht, den Raga, das Tempo und das Thema der Komposition zu skizzieren.

Kalpanaswaram

Kalpanaswaram, auch bekannt als Swarakalpana, besteht aus improvisierten melodischen und rhythmischen Passagen mit Swaras (Solfa-Silben). Wie Niraval werden Kalpanaswaras gesungen, um auf einem bestimmten Swara im Raga der Melodie und an einer bestimmten Stelle ( Idam ) im Tala -Zyklus zu enden.

Kalpanaswaras haben eine etwas vorhersehbare rhythmische Struktur; Die Swaras werden gesungen, um auf dem Samam (dem ersten Schlag des rhythmischen Zyklus) zu enden. Die Swaras können auch mit der gleichen Geschwindigkeit oder der doppelten Geschwindigkeit der gesungenen Melodie gesungen werden, obwohl einige Künstler auch Phrasen mit dreifacher Geschwindigkeit singen.

Kalpanaswaram ist die elementarste Art der Improvisation, die normalerweise vor jeder anderen Form der Improvisation gelehrt wird.

Tanam

Tanam ist eine der wichtigsten Formen der Improvisation und ein wesentlicher Bestandteil von Ragam Tanam Pallavi. Ursprünglich für die Veena entwickelt, besteht sie darin, den Raga um Silben wie tha, nam, thom, aa, nom, na usw. zu erweitern.

Ragam Tanam Pallavi

Ragam, Tanam und Pallavi sind die wichtigsten Langformen in Konzerten und eine zusammengesetzte Form der Improvisation. Wie der Name schon sagt, besteht es aus Raga Alapana, Tanam und einer Pallavi -Linie. Auf ein langsames Tala eingestellt, wird die Pallavi-Linie oft vom Interpreten komponiert. Durch niraval manipuliert der Performer die Pallavi-Linie auf komplexe melodische und rhythmische Weise. Dem Niraval folgen Kalpanaswarams.

Tani Avartanam

Tani Avartanam bezieht sich auf das erweiterte Solo, das von den Schlagzeugern in einem Konzert gespielt wird und normalerweise nach der Hauptkomposition in einem Konzert gespielt wird. Während des Solos, das zwei bis zwanzig Minuten dauern kann, zeigt der Schlagzeuger die ganze Bandbreite seines Könnens und seiner rhythmischen Vorstellungskraft.

Kompositionen

Im Gegensatz zur hinduistischen Musik im Norden Indiens wird die karnatische Musik durch Kompositionen gelehrt und gelernt, die viele komplizierte musikalische Details kodieren und auch Raum für freie Improvisation bieten. Nahezu jede Wiedergabe einer karnatischen Musikkomposition ist anders und einzigartig, da sie Elemente der Vision des Komponisten sowie der Interpretation des Musikers verkörpert.

Eine karnatische Komposition hat wirklich zwei Elemente, das eine ist das musikalische Element, das andere das, was in der Komposition vermittelt wird. Wahrscheinlich sind deshalb die meisten karnatischen Musikkompositionen zum Singen komponiert. Neben der reichen musikalischen Erfahrung bringt jede Komposition das Wissen und die Persönlichkeit des Komponisten zum Vorschein, und daher sind die Worte genauso wichtig wie das musikalische Element selbst. Für die Musiker stellt dies eine besondere Herausforderung dar, denn bei der Wiedergabe dieser Musik geht es nicht nur darum, die richtigen Noten zu spielen oder zu singen; Von den Musikern wird erwartet, dass sie verstehen, was der Komponist in verschiedenen Sprachen übermittelt hat, und musikalische Phrasen singen, die dazu dienen, die vom Komponisten beabsichtigte Wirkung in seiner Komposition zu erzielen.

Es gibt viele Arten/Formen von Zusammensetzungen.

Geethams und Swarajatis (die ihre eigenen besonderen Kompositionsstrukturen haben) sollen hauptsächlich als grundlegende Lernübungen dienen.

Kompositionen, die eher mit indischem klassischem Tanz und indischer Andachtsmusik in Verbindung gebracht werden, wurden auch zunehmend im karnatischen Musikrepertoire verwendet. Die Darbietung der Sanskrit -Formen Sloka , Tamil Viruttam und Telugu Padyamu oder Sisapadya sind besonders einzigartig. Obwohl diese Formen aus lyrischen Versen bestehen , improvisieren Musiker Raga - Phrasen in freiem Rhythmus, wie ein Alapana , sodass sowohl der Klangwert als auch die Bedeutung des Textes den Musiker durch ausgefeilte melodische Improvisationen führen. Formen wie divya prabandham , thevaram und ugabhoga werden oft ähnlich aufgeführt, jedoch können diese Formen auch eine festgelegte Melodie und einen festgelegten Rhythmus haben, wie die Formen devaranama , javali , padam , thillana und thiruppugazh .

Die häufigsten und bedeutendsten Formen in der karnatischen Musik sind Varnam und Kriti (oder Kirtanam ).

Warnam

Varnams sind kurze metrische Stücke, die die Hauptmerkmale und Anforderungen eines Raga zusammenfassen . Zu den Merkmalen und Regeln des Raga (auch als Sanchaaraas eines Raga bekannt) gehört, wie jede Note des Raga betont werden sollte, die Tonleiter des Raga und so weiter. Alle Varnams bestehen aus Texten sowie Swara-Passagen, darunter ein Pallavi , ein Anupallavi , Muktayi Swaras , ein Charanam und Chittaswaras .

Bekannt für ihre komplexe Struktur, sind Varnams eine grundlegende Form in der karnatischen Musik. Varnams werden von Interpreten karnatischer Musik als Stimmübungen in mehreren Geschwindigkeiten praktiziert, um die Stimmkultur zu entwickeln und die richtige Tonhöhe und Kontrolle des Rhythmus aufrechtzuerhalten. Bei karnatischen Musikkonzerten werden Varnams oft von Musikern als Eröffnungsstück aufgeführt – als Aufwärmübung für die Musiker und als Mittel, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu erregen.

Kriti

Karnatische Lieder (Kritis) unterscheiden sich in Struktur und Stil, bestehen aber im Allgemeinen aus drei Einheiten:

  1. Pallavi . Dies entspricht einem Refrain in der westlichen Musik mit 1 oder 2 Zeilen.
  2. Anupallavi . Dies ist der zweite Vers, ebenfalls als 2 Zeilen.
  3. Charana . Die letzte (und längste) Strophe, die das Lied abschließt. Die Charanam leihen sich normalerweise Muster von den Anupallavi. Es kann mehrere Charanas geben.

Diese Art von Lied wird Keerthanam oder Kriti genannt . Es gibt andere mögliche Strukturen für ein Kriti , die zusätzlich Swara-Passagen namens Chittaswara enthalten können . Ein Chittaswara besteht nur aus Noten und hat keine Worte. Wieder andere haben am Ende des Charana einen Vers, der Madhyamakāla genannt wird . Es wird unmittelbar nach dem Charana gesungen , jedoch mit doppelter Geschwindigkeit.

Prominente Komponisten

Es gibt viele Komponisten in der karnatischen Musik. Purandara Dasa (1484–1564) wird als Pitamaha (der Vater oder Großvater) der karnatischen Musik bezeichnet, da er die grundlegenden Lektionen für das Unterrichten karnatischer Musik formulierte und zu Ehren seines bedeutenden Beitrags zur karnatischen Musik. Er strukturierte abgestufte Übungen, die als Swaravalis und Alankaras bekannt sind, und führte gleichzeitig die Raga Mayamalavagowla als erste Tonleiter ein, die von Anfängern erlernt werden sollte. Er komponierte auch Gitas (einfache Lieder) für Anfänger.

Die Zeitgenossen Tyagaraja (1767–1847), Muthuswami Dikshitar , (1776–1835) und Syama Sastri , (1762–1827) gelten aufgrund der Qualität von Syama Sastris Kompositionen, der Vielfalt der Kompositionen, als die Dreifaltigkeit der karnatischen Musik Muthuswami Dikshitar und Tyagarajas produktives Werk beim Komponieren von Kritis .

Prominente Komponisten vor der Trinität der karnatischen Musik sind Sripadaraja , Vyasatirtha , Kanakadasa , Vadiraja Tirtha , Arunachala Kavi , Annamacharya , Narayana Theertha , Vijaya Dasa , Jagannatha Dasa , Gopala Dasa , Bhadrachala Ramadas , Sadasiva Brahmendra und Oottukkadu Venkata Kavi . Andere Komponisten sind Swathi Thirunal , Gopalakrishna Bharathi , Neelakanta Sivan , Patnam Subramania Iyer , Mysore Vasudevachar , Koteeswara Iyer , Muthiah Bhagavathar , Subramania Bharathiyar , Kalyani Varadarajan , M. Balamuralikrishna und Papanasam Sivan . Die Kompositionen dieser Komponisten werden häufig von Künstlern der Gegenwart wiedergegeben.

Komponisten karnatischer Musik wurden oft von religiöser Hingabe inspiriert und waren gewöhnlich Gelehrte, die eine oder mehrere der Sprachen Kannada , Malayalam , Sanskrit , Tamil oder Telugu beherrschten . Sie fügten normalerweise eine Signatur, Mudra genannt , in ihre Kompositionen ein. Zum Beispiel enthalten alle Lieder von Tyagaraja (der auf Telugu komponierte) das Wort Tyagaraja , alle Lieder von Muthuswami Dikshitar (der auf Sanskrit komponierte) enthalten die Worte Guruguha ; Lieder von Syama Sastri (der in Telugu komponierte) enthalten die Worte Syama Krishna ; alle Lieder von Purandaradasa (der in Kannada komponiert hat) haben die Worte Purandara Vittala ; während Gopalakrishna Bharathi (der in Tamil komponierte) die Signatur Gopalakrishnan in seinen Kompositionen verwendete. Papanasam Sivan, der als Tamil Tyagaraja der karnatischen Musik gefeiert wurde, komponierte in Tamil und Sanskrit und verwendete die Signatur Ramadasan in seinen Kompositionen.

Lernen

Karnatische Musik wird traditionell nach dem von Purandara Dasa formulierten System gelehrt . Dies beinhaltet Sarali Swaras (abgestufte Übungen), Alankaras (Übungen basierend auf den sieben Talas), Geetams oder einfache Lieder und Swarajatis . Nachdem der Schüler einen bestimmten Standard erreicht hat, werden Varnams gelehrt und später lernt der Schüler Kritis . Es dauert normalerweise mehrere Jahre des Lernens, bis ein Schüler geschickt genug ist, um bei einem Konzert aufzutreten.

Die Lerntexte und Übungen sind in allen südindischen Bundesstaaten mehr oder weniger einheitlich. Die Lernstruktur ist nach zunehmender Komplexität geordnet. Der Unterricht beginnt mit dem Erlernen des Sarali Varisai ( Solfege zu einem bestimmten Raga).

Karnatische Musik wurde traditionell im Gurukula -System gelehrt, wo der Schüler mit seinem Guru (Wahrnehmungskünstler) lebte und die Kunst von ihm lernte . Ab dem späten 20. Jahrhundert hat dieses System mit Veränderungen im Lebensstil und der Notwendigkeit für junge Musikaspiranten, gleichzeitig eine parallele akademische Karriere zu verfolgen, nur wenige Abnehmer gefunden.

Musiker sind oft sehr stolz darauf, die Menschen über ihren Guru Parampara oder die Hierarchie der Schüler eines prominenten alten Musikers oder Komponisten, dem sie angehören, wissen zu lassen . Menschen, auf deren Schülerhierarchien oft Bezug genommen wird, sind unter anderem Tyagaraja , Muthuswami Dikshitar , Syama Sastri , Swathi Thirunal und Papanasam Sivan .

In der heutigen Zeit ist es üblich, dass Schüler ihre Gurus täglich oder wöchentlich besuchen, um Musik zu lernen. Obwohl neue Technologien das Lernen durch die Verfügbarkeit von schnell lernbaren Medien wie Lernübungen auf Audiokassetten und CDs erleichtert haben, wird von diesen von den meisten Gurus abgeraten, die betonen, dass das Lernen von Angesicht zu Angesicht für die Schüler am besten ist.

Notationen

Notation ist kein neues Konzept in der indischen Musik. Die karnatische Musik wurde jedoch jahrhundertelang mündlich weitergegeben, ohne niedergeschrieben zu werden. Der Nachteil dieses Systems war, dass, wenn man etwas über ein Kriti lernen wollte, das zum Beispiel von Purandara Dasa komponiert wurde , es die schwierige Aufgabe beinhaltete, eine Person aus Purandara Dasas Schülerlinie zu finden.

Die schriftliche Notation karnatischer Musik wurde im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert wiederbelebt, was mit der Herrschaft von Shahaji II in Tanjore zusammenfiel . Kopien von Shahajis musikalischen Manuskripten sind immer noch in der Saraswati Mahal Library in Tanjore erhältlich und geben uns eine Vorstellung von der Musik und ihrer Form. Sie enthalten Solfege-Schnipsel , die bei der Aufführung der erwähnten Ragas verwendet werden.

Melodie

Im Gegensatz zur klassischen westlichen Musik wird die karnatische Musik fast ausschließlich in tonischer Sol-Fa- Notation notiert, wobei entweder eine römische oder eine indische Schrift verwendet wird, um die Solfa-Namen darzustellen. Frühere Versuche, die Stabnotation zu verwenden, sind meistens gescheitert. Indische Musik verwendet Hunderte von Ragas, viel mehr als die Kirchentonarten in der westlichen Musik. Es wird schwierig, karnatische Musik in Notenschrift zu schreiben, ohne zu viele Vorzeichen zu verwenden . Außerdem erfordert die Notenschrift, dass das Lied in einer bestimmten Tonart gespielt wird . Die Begriffe Tonart und absolute Tonhöhe sind tief in der westlichen Musik verwurzelt, während die karnatische Notation die Tonart nicht spezifiziert und es vorzieht, Skalengrade (relative Tonhöhe) zu verwenden, um Noten zu bezeichnen. Der Sänger kann die tatsächliche Tonhöhe der Tonika frei wählen . In den präziseren Formen der karnatischen Notation befinden sich Symbole über den Noten, die angeben, wie die Noten gespielt oder gesungen werden sollten; informell wird diese Praxis jedoch nicht befolgt.

Um die Länge einer Note anzuzeigen, werden mehrere Geräte verwendet. Wenn die Notendauer verdoppelt werden soll, wird der Buchstabe entweder großgeschrieben (bei lateinischer Schrift) oder um ein diakritisches Zeichen verlängert (in indischen Sprachen). Für eine Dauer von drei wird der Buchstabe groß geschrieben (oder diakritisch) und gefolgt von einem Komma. Bei einer Länge von vier wird der Buchstabe groß (oder diakritisch) geschrieben und dann von einem Semikolon gefolgt. Auf diese Weise kann eine beliebige Dauer durch eine Reihe von Semikolons und Kommas angegeben werden.

Es hat sich jedoch eine einfachere Schreibweise herausgebildet, die auf Semikolon und Großschreibung verzichtet, sondern alle Notenerweiterungen mit einer entsprechenden Anzahl von Kommas kennzeichnet. Somit würde in der Länge vervierfacht als "S,,," bezeichnet werden.

Rhythmus

Die Notation ist in Abhängigkeit von der Struktur des tāḷaṃ in Spalten unterteilt . Die Trennung zwischen einem Laghu und einem Dhrutam wird durch a।, genannt ḍaṇḍā , angezeigt, und ebenso die Trennung zwischen zwei Dhrutams oder einem Dhrutam und einem Anudhrutam . Das Ende eines Zyklus wird durch ein a॥ markiert, ein doppeltes ḍaṇḍā genannt , und sieht aus wie eine Zäsur .

Leistung

Karnatische Musik wird normalerweise von einem kleinen Ensemble von Musikern aufgeführt, die auf einer erhöhten Bühne sitzen. Diese besteht normalerweise zumindest aus einem Hauptdarsteller, einer melodischen Begleitung, einer Rhythmusbegleitung und einem Bordun.

Aufführungen können musikalisch oder musikdramatisch sein. Musikalische Liederabende sind entweder vokaler oder rein instrumentaler Natur, während musikalisch-dramatische Liederabende sich auf Harikatha beziehen . Aber egal, um welche Art von Konzert es sich handelt, es handelt sich um Kompositionen, die den Kern dieser Musikrichtung bilden.

Instrumentierung

Die Tambura ist das traditionelle Borduninstrument , das in Konzerten verwendet wird. Tamburas werden jedoch zunehmend durch śruti - Boxen und jetzt häufiger durch die elektronische Tambura ersetzt . Der Bordun selbst ist ein wesentlicher Bestandteil der Darbietung und sorgt für Stabilität – das Äquivalent zur Harmonie in der westlichen Musik.

Bei einem Gesangsabend kann ein Konzertteam einen oder mehrere Sänger als Hauptdarsteller haben. Instrumente wie die Saraswati-Vina und/oder die Venu -Flöte können gelegentlich als Begleitung gefunden werden, aber normalerweise wird ein Sänger von einem Geiger unterstützt (der zu seiner/ihrer Linken sitzt). Der Rhythmusbegleiter ist normalerweise ein Mridangam -Spieler (der auf der anderen Seite sitzt und dem Geigenspieler zugewandt ist). Aber auch andere Percussion-Instrumente wie Ghatam , Kanjira und Morsing begleiten häufig das Haupt-Percussion-Instrument und spielen fast kontrapunktisch mit den Beats mit.

Das Ziel der begleitenden Instrumente ist weit mehr als nur der Melodie zu folgen und den Takt zu halten. Die Begleitungen bilden einen integralen Bestandteil jeder dargebotenen Komposition, und sie folgen und erweitern eng die melodischen Phrasen, die vom Leadsänger skizziert werden. Der Sänger und der Geiger wechseln sich ab, während sie in Abschnitten wie Raga , Niraval und Kalpanaswaram Kreativität ausarbeiten oder ihre Kreativität zeigen .

Im Gegensatz zu Hindustani- Musikkonzerten, bei denen ein begleitender Tabla -Spieler manchmal Beats halten kann, ohne den musikalischen Phrasen zu folgen, müssen die Begleiter in der karnatischen Musik den Feinheiten der Komposition folgen, da es in mehreren Kompositionen Percussion-Elemente wie Eduppu gibt.

Einige Konzerte bieten ein gutes Stück Interaktion mit den Hauptmusikern und Begleitern, die Noten austauschen, und begleitenden Musikern, die die musikalischen Phrasen des Hauptmusikers vorhersagen.

Zeitgenössischer Konzertinhalt

Ein Konzert mit zeitgenössischer karnatischer Musik ( Kutcheri genannt ) dauert normalerweise etwa drei Stunden und umfasst eine Reihe unterschiedlicher Kompositionen. Karnatische Lieder werden in einem bestimmten Raga komponiert , was bedeutet, dass sie nicht von den Noten im Raga abweichen . Jede Komposition ist mit bestimmten Noten und Beats versehen, aber die Interpreten improvisieren ausgiebig. Improvisation findet sowohl in der Melodie der Komposition als auch in der Verwendung der Noten statt, um die Schönheit des Raga zu erläutern .

Konzerte beginnen normalerweise mit einem Varnam oder einem Aufruf, der als Eröffnungsstück fungiert. Der Varnam ist mit Betonung auf Swaras des Raga komponiert, enthält aber auch Texte, den Saahityam . Es ist lebhaft und schnell, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu gewinnen. Auf das varnam kann normalerweise ein Anrufungselement folgen .

Nach dem Varnam und/oder Anrufungselement singt der Künstler längere Kompositionen, Kirtanas genannt ( allgemein als Kriti bezeichnet ). Jedes Kriti hält sich an einen bestimmten Raga , obwohl einige mit mehr als einem Raga komponiert sind; diese sind als Ragamalika (eine Girlande aus Ragas ) bekannt.

Nach dem Singen des Eröffnungs -Kriti singt der Darsteller normalerweise das Kalpanaswaram des Raga im Takt. Der Interpret muss eine Folge von Swaras in einer beliebigen Oktave gemäß den Regeln des Raga improvisieren und reibungslos zum Beginn des Taktzyklus zurückkehren, wobei er die Swaras mit einer aus der Kriti ausgewählten Phrase verbindet . Die Violine spielt diese abwechselnd mit dem Hauptdarsteller. Bei sehr langen Swara-Saiten müssen die Interpreten ihre Noten genau berechnen, um sicherzustellen, dass sie sich an den Raga halten , keine unangenehmen Pausen oder Aussetzer im Takt des Liedes haben und ein komplexes Notenmuster erstellen, dem ein sachkundiges Publikum folgen kann.

Die Interpreten beginnen dann die Hauptkompositionen mit einem Abschnitt namens Raga Alapana , der den Raga erforscht . Dabei verwenden sie die Laute aa, ri, na, ta usw. anstelle von Swaras , um die Noten und den Fluss des Raga langsam auszuarbeiten. Dies beginnt langsam und steigert sich zu einem Crescendo, um schließlich eine komplizierte Darstellung des Raga zu etablieren, die das Können des Interpreten zeigt. All dies geschieht ohne rhythmische Begleitung oder Beat. Dann erläutert die melodische Begleitung (Violine oder Veena) den Raga . Erfahrene Zuhörer können viele Ragas identifizieren, nachdem sie nur ein paar Noten gehört haben. Mit dem so etablierten Raga beginnt das Lied, normalerweise mit Text. Dabei tritt die Begleitung (normalerweise Geige, manchmal Veena) zusammen mit dem Hauptdarsteller und dem Schlagzeug (z. B. einem Mridangam ) auf. In der nächsten Phase des Liedes können sie wieder Niraval oder Kalpanaswaram singen .

Bei den meisten Konzerten hat das Hauptstück zumindest einen Abschnitt am Ende des Stücks, in dem das Schlagzeug solo auftritt ( Tani Avartanam genannt ). Die Percussion-Künstler spielen komplexe Rhythmusmuster und zeigen ihr Können. Wenn mehrere Schlaginstrumente eingesetzt werden, treten sie in einen rhythmischen Dialog, bis der Hauptdarsteller die Melodie wieder aufgreift. Einige erfahrene Künstler folgen dem Hauptstück möglicherweise mitten im Konzert mit einem Ragam Thanam Pallavi , wenn sie es nicht als Hauptstück verwenden.

Nach der Hauptkomposition geht das Konzert mit kürzeren und leichteren Liedern weiter. Einige der Arten von Liedern, die gegen Ende der Konzerte aufgeführt werden, sind Tillanas und Thukkadas – Teile populärer Kritis oder vom Publikum gewünschte Kompositionen. Jedes Konzert, das das letzte des Tages ist, endet mit einem Mangalam , einem Dankgebet und Abschluss des musikalischen Ereignisses.

Publikum

Das Publikum eines typischen Konzerts wird ein gewisses Verständnis für karnatische Musik haben. Es ist auch typisch, dass das Publikum die Tala synchron zur Darbietung des Künstlers klopft. Wenn der Künstler Kreativität zeigt, erkennt das Publikum dies an, indem es in die Hände klatscht. Bei erfahrenen Künstlern fließen gegen Mitte des Konzerts Anfragen ein. Der Künstler singt normalerweise die Anfragen, und es hilft, das breite Wissen des Künstlers über die mehreren tausend existierenden Kritis zu zeigen.

Feste

In Indien und auf der ganzen Welt finden verschiedene Musikfestivals mit karnatischen Musikdarbietungen statt.

Als sich die Stadt Chennai (damals bekannt als Madras ) im 19. Jahrhundert zum Ort der karnatischen Musik entwickelte, gründeten ihre Musiker 1846 das Tyagaraja Aradhana Festival. Das Aradhana Festival ist eine jährliche Feier zum Todestag des produktiven karnatischen Musikkomponisten, Tyagaraja . Tausende von Musikern, die in der Stadt Thiruvayaru abgehalten werden, besuchen das Festival, um seine Kompositionen aufzuführen. Seit seiner Gründung wurden andere Festivals in ganz Indien und im Ausland auf ähnliche Weise ins Leben gerufen, wie das Chembai Sangeetholsavam in der indischen Stadt Guruvayur und das Aradhana in der US-amerikanischen Stadt Cleveland .

Die Stadt Chennai veranstaltet auch eine sechswöchige große „ Musiksaison “, die als das größte kulturelle Ereignis der Welt beschrieben wurde. Die Musiksaison wurde 1927 anlässlich der Eröffnung der Madras Music Academy gestartet . Früher war es ein traditionelles einmonatiges karnatisches Musikfestival, aber seitdem hat es sich auch in Tanz und Drama sowie nicht-karnatische Kunstformen diversifiziert. Einige Konzertveranstalter veranstalten während der Saison auch ihre eigenen karnatischen Musikfestivals. Tausende von Auftritten werden von Hunderten von Musikern an verschiedenen Veranstaltungsorten in der Stadt abgehalten.

Das Karnataka Ganakala Parishat ist eine jährliche Konferenz über karnatische Musik, die jedes Jahr im Februar stattfindet und morgens Vorträge und Demonstrationen sowie nachmittags und abends Aufführungen bietet.

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

Literaturverzeichnis

  • Charles-Russel-Tag (1891). Die Musik und Musikinstrumente Südindiens und des Deccan . William Gibb (lllus.). Novello, Ewer & Co., London -.
  • "[Karnatische Musik]". Encyclopædia Britannica (15. Aufl.). 2005.
  • Panchapakesa Iyer, AS (2003). Gānāmruta Varna Mālikā . Gānāmruta Prachuram.

Externe Links