Klassische Musik der Vereinigten Staaten - Classical music of the United States

Das Lincoln Center beherbergt national und international renommierte Organisationen der darstellenden Künste, darunter das New York Philharmonic , die Metropolitan Opera und das New York City Ballet . Auch die Juilliard School of Music wurde Teil des Lincoln Center-Komplexes.

Amerikanische klassische Musik ist Musik, die in den Vereinigten Staaten in der europäischen klassischen Musiktradition geschrieben wurde . In vielen Fällen wurde sie ab dem 18. Jahrhundert von amerikanischen Volksmusikstilen beeinflusst; und vom 20. Jahrhundert bis heute wurde es oft von amerikanischer Volksmusik und manchmal Jazz beeinflusst .

Anfänge

Symphony Hall, Boston , seit 1900 die Hauptbasis des Orchesters.

Die früheste amerikanische klassische Musik besteht aus Teil Songs verwendeten religiöse Dienste während Kolonialzeiten. Die erste Musik dieser Art in Amerika waren die Psalmbücher, wie der Ainsworth Psalter , die von den Siedlern der Massachusetts Bay Colony aus Europa mitgebracht wurden . Die erste Musikveröffentlichung im englischsprachigen Nordamerika – tatsächlich die erste Veröffentlichung jeglicher Art – war das Bay Psalm Book von 1640.

Carnegie Hall ist einer der renommiertesten Veranstaltungsorte der Welt sowohl für klassische Musik als auch für populäre Musik.

Viele amerikanische Komponisten dieser Zeit arbeiteten (wie Benjamin West und der junge Samuel Morse in der Malerei) ausschließlich nach europäischen Vorbildern, während andere wie William Billings , Supply Belcher , Daniel Read , Oliver Holden , Justin Morgan , Andrew Law , Timothy Swan , Jacob Kimball Jr. , Jeremiah Ingalls und John Wyeth , auch bekannt als First New England School oder Yankee Tunesmiths , entwickelten einen einheimischen Stil, der fast vollständig unabhängig von den renommiertesten europäischen Vorbildern war, obwohl er sich auf die Praxis von West Gallery- Musikkomponisten wie als William Tans'ur und Aaron Williams . Viele dieser Komponisten waren Amateure, und viele waren Sänger: Sie entwickelten neue Formen der geistlichen Musik, wie die fugierende Melodie , die sich für die Aufführung durch Amateure eignete, und verwendeten oft harmonische Methoden, die nach zeitgenössischen europäischen Standards als bizarr angesehen worden wären. Einige der ungewöhnlichsten Erneuerer waren Komponisten wie Anthony Philip Heinrich , die eine formale Instrumentalausbildung erhielten, sich jedoch in der Komposition vollständig autodidaktisch waren. Heinrich bereiste im frühen 19. Jahrhundert das Innere der jungen Vereinigten Staaten und hielt seine Erfahrungen mit farbenprächtiger Orchester- und Kammermusik fest, die mit der in Europa komponierten Musik so gut wie nichts gemein hatte. Heinrich war der erste amerikanische Komponist, der für ein Sinfonieorchester schrieb, sowie der erste, der eine Beethoven-Symphonie in den Vereinigten Staaten dirigierte (in Lexington, Kentucky im Jahr 1817).

Da die Vereinigten Staaten aus vielen Staaten bestehen, von denen einige Teile anderer Imperien waren, ist die klassische Musik der Nation jeweils von diesen Imperien abgeleitet. Die früheste klassische Musik im heutigen Kalifornien und anderen ehemaligen spanischen Kolonien war die Renaissance-Polyphonie Spaniens. Diese geistliche klassische Musik wurde zur Verfügung gestellt, um die Liturgie der katholischen Kirche zu unterstützen.

Andere frühe amerikanische Komponisten: William Selby , Victor Pelissier , John Christopher Moller , Alexander Reinagle , Benjamin Carr , William Brown , James Hewitt , Mr. Newman (Three Sonatas, for the Piano forte or Cembalo, New York 1807).

Zweite Neuenglandschule

Das Philadelphia Orchestra auf der Bühne mit Stokowski für die amerikanische Erstaufführung von Mahlers Achter Symphonie , 2. März 1916.

Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts entwickelte sich vor allem in Neuengland eine lebendige Tradition heimischer klassischer Musik . Wissenschaftler betrachten diese Entwicklung als zentral in der Geschichte der amerikanischen klassischen Musik, weil sie die Merkmale etabliert hat, die sie von ihren europäischen Vorfahren unterscheiden. Diese Initiative wurde von Musikern vorangetrieben, die amerikanische indigene Musik produzieren wollten. John Knowles Paine gilt als der Anführer dieser Gruppe.

Zu den Komponisten der Second New England School gehörten Paines Kollegen und Schüler wie George Whitefield Chadwick , Amy Beach , Edward MacDowell , Arthur Foote und Horatio Parker , der der Lehrer von Charles Ives war . Zusammen mit Paine wurde die Gruppe auch als Boston Six bekannt. Viele dieser Komponisten gingen nach Europa – insbesondere nach Deutschland – um zu studieren, kehrten jedoch in die Vereinigten Staaten zurück, um zu komponieren, aufzutreten und Studenten zu gewinnen. Zu ihren stilistischen Nachfahren zählen Komponisten des 20. Jahrhunderts wie Howard Hanson , Walter Piston und Roger Sessions . Ives galt als der letzte Komponist der Second New England School , obwohl seine Musik von einigen als eine angesehen wird , die immer noch von der europäischen Tradition gemischt mit der Moderne beeinflusst wird .

20. Jahrhundert

Das Orchester tritt in der Orchestra Hall des Chicago Symphony Center auf

Im frühen 20. Jahrhundert wurde George Gershwin stark von der afroamerikanischen Musik beeinflusst . Er schuf eine überzeugende Synthese von Musik aus mehreren Traditionen. Ähnlich geneigt war Leonard Bernstein , der in seinen klassischen Kompositionen zeitweise nicht-tonale Musik mit Jazz mischte . Auch Leroy Anderson , Ferde Grofe und Morton Gould komponierten Stücke im Sinne des " Sinfonic Jazz".

Viele der bedeutendsten klassischen Komponisten des 20. Jahrhunderts wurden von Volkstraditionen beeinflusst, vielleicht keiner mehr als Charles Ives oder Aaron Copland . Andere Komponisten übernahmen Merkmale der Volksmusik aus den Appalachen, den Ebenen und anderswo, darunter Roy Harris , Elmer Bernstein , David Diamond , Elie Siegmeister und andere. Andere Komponisten des frühen bis mittleren 20. Jahrhunderts setzten die experimentelleren Traditionen fort, darunter Persönlichkeiten wie Charles Ives , George Antheil und Henry Cowell . Andere, wie Samuel Barber , haben in Stücken wie Knoxville: Summer of 1915 eine Zeit der Americana festgehalten .

Die Walt Disney Concert Hall , Heimat des Los Angeles Philharmonic , verfügt über ein akustisch hervorragendes Auditorium mit Hartholzvertäfelung.

Im 20. Jahrhundert wurden auch bedeutende Werke so bedeutender eingewanderter Komponisten wie Igor Strawinsky und Arnold Schönberg veröffentlicht , die aus verschiedenen Gründen nach Amerika kamen, darunter politische Verfolgung, ästhetische Freiheit und wirtschaftliche Chancen. Siehe Modernismus (Musik) für weitere Informationen über den Aufstieg der Moderne in Amerika und auf der ganzen Welt.

Minimalismus ist eine musikalische Bewegung, die in den frühen 1960er Jahren in New York City begann. Komponisten wie Philip Glass , Steve Reich und John Adams (Komponist) verwendeten experimentelle Kompositionstechniken wie Drones, Phasing, wiederholte Motive, scharfe Kontraste zwischen gemischten Metren, einfache, aber oft abrupte Bewegungen zwischen Moll- und Dur-Akkorden mit demselben Grundton, Kontraste zwischen Tonalität und Atonalität und eine große Anzahl von Synthesizern, um das Zusammenspiel der grundlegenden Bausteine ​​der Musik zu zeigen: die Auslöschung und Verstärkung von Wellenlängen, die alle akustischen und synthetisierten Klänge ausmachen. Wie so oft in der Kunst, ging der Aufstieg des amerikanischen Minimalismus in der Musik parallel zum Aufstieg des Minimalismus als künstlerischer Stil, der den Kontrast von Schwarz und Weiß, die allmähliche Bewegung der Schattierung mit Farbverläufen und auch oft wiederholte Konzepte und Themen nutzte.

In den 1970er und 1980er Jahren erlebte die postmoderne Musikbewegung den Aufstieg von Komponisten wie amerikanischen Komponisten wie John Cage , die atonale Strukturen annahmen und einen experimentellen Ansatz zur Musikkomposition verfolgten, am bekanntesten und umstrittensten mit seinem Stück 4'33" von 1952 , für das es sind keine Notizen auf der Seite geschrieben und die Musik wird so beschrieben, dass sie aus den Klängen der unmittelbaren Umgebung des Publikums besteht, wodurch die Definition von Musik auf alle und alle Klänge erweitert wird, auch wenn sie ohne eine vom Komponisten geschaffene Struktur sind Ein aktuelleres Beispiel für postmoderne Musik ist das des amerikanischen Komponisten Miguel del Aguila , der amerikanische Idiome mit denen seiner hispanischen, lateinamerikanischen Wurzeln verbindet.

Jones Hall Heimat der Houston Symphony .

Im 20. Jahrhundert, im Hintergrund Musik sah neue Höhen mit der Entwicklung der voll orchestriert Filmmusik . Zeichnung aus der Oper Arten von Zusammensetzung und den Regeln von Richard Wagner (insbesondere die Idee des Gesamtkunstwerks ), viele früher Soundtracks gehört Ouvertüren , Pausenmusik, und Medleys und Konzert Suiten und eine Wiederholung oder Verwendung der Ouvertüre für Endkredite, je nach ob der Film Vor- oder Abspann zeigte. Im Laufe der Entwicklung des Kinos wurde die Musik immer ausgefeilter, indem fortschrittliche Instrumententechniken, eine Vielzahl von Musikgenres in jedem gegebenen Werk und multikulturelle Strukturen und Instrumentierungen einbezogen wurden, als die Filmindustrie und damit die Musikkompositionsindustrie wurde stärker globalisiert. Es explodierte in den 1990er Jahren in Amerika mit der Veröffentlichung vieler verschiedener Blockbuster-Filme und einer hohen Nachfrage nach vollständig orchestrierten Soundtracks, wird jedoch heute oft durch Soundtracks ersetzt, die vollständig synthetisiert sind oder Coversongs berühmter populärer Songs verwenden oder sogar von bekannten Interpreten komponiert wurden , etwa im Soundtrack zum Film von 1997 von Titanic ( Titanic: Music from the Motion Picture ) und die Verwendung vieler populärer Lieder für spezifische historische Bezüge im Soundtrack zum Film Forrest Gump ( Forrest Gump (Soundtrack) ). Aufgrund der zunehmend verbreiteten Praxis, populäre Lieder in Kombination mit einem eher klassischen Soundtrack zu verwenden, wurde es zum Standard, zwei Soundtracks zu veröffentlichen, wobei einer aus den ausgewählten Liedern des beliebten Genres und der Original- oder Filmmusik, wie bereits erwähnt, bestand. Bedeutende amerikanische Filmmusikkomponisten sind Wendy Carlos , Danny Elfman , Michael Giacchino , Jerry Goldsmith , Bernard Herrmann , James Horner , James Newton Howard , Erich Wolfgang Korngold , Randy Newman , Alan Silvestri und John Williams .

Klassische und populäre (nicht-klassische) Genre-Fusion-Kompositionen entwickelten sich auch in den Vereinigten Staaten ab den 1950er Jahren, wobei Entertainer wie Liberace und Komponisten wie Walter Murphy mit ihren Arrangements klassische Musik in verschiedene Genres brachten, wie in Walter Murphys Disco- Klassisches Fusionsstück A Fifth of Beethoven . In den 1970er Jahren wurden viele Disco-Versionen berühmter klassischer Werke arrangiert, darunter Werke von Beethoven, Mozart, Schubert, Wagner, Mussorgsky, JS Bach und George Gershwin.

Populäre klassische Werke werden auch in den Vereinigten Staaten häufig erwähnt und behandelt, ebenfalls beginnend um die 1940er bis 50er Jahre, in Cartoons, berühmt in Rhapsody Rabbit und The Cat Concerto , beide mit Franz Liszts berühmtem Solo-Klavierkonzertstück: Hungarian Rhapsody No. 2 .

21. Jahrhundert

Siehe auch

Verweise